ARTISTA INTERIORE

Un nuovo brano video dell'intervista a Oltre Confine

2012-02-01T03:54:00.000-08:00

Sul mio incontro con Osho.

Sulle potenzialità dell'arteterapia.

L'arte di esporre

2012-01-30T03:35:00.000-08:00

Mostra a Ferrara - 2011

L'arte, chiaramente inmolti gradi diversi, attualizza l'immaginazione creativa e lariflessione dell'Anima, perché è da essa originata. Meister Eckartha detto che "quando l'anima desidera sperimentare qualcosa,proietta davanti a sé un'immagine dell'esperienza e poi entra nellapropria immagine". Si comprende che questo è quello che fal'artista, e che le sue "immagini dell'esperienza" - sedeterminate da un genuino influsso dell'anima - possono fornireispirazioni preziose.

Tuttavia devo dire che raramente i museitrasmettono una nitida impressione espansiva, dato che risultanoeccessivamente confusionari sul profilo sensitivo, pur se mostranoun'esposizione ben catalogata. Le opere sono collocate seguendopercorsi intellettuali, che forniscono al visitatore una mole diimpressioni razionalmente coerenti, le quali risultano però slegatee spesso contraddittorie riguardo all'ispirazione animica; inoltreil flusso ben poco meditativo del pubblico veicola un fortedisorientamento.

Con una maggiore consapevolezza delle virtùspirituali dell'arte, si potrebbero creare musei molto più intensi ecapaci di favorire la visione introspettiva e meditativa.Recentemente alcuni musei, come il MART di Rovereto, hanno propostodelle interessanti visite guidate impostate sull'arteterapia.

Si può osservare che un discorso simile vale anche per le esposizioni collettive temporanee, che presentano le opere di diversi autori. Se è vero che l'associazione collettiva degli artisti può esprimere una grande energia, anche sul profilo espositivo, ciò dovrebbe presupporre una comunione di sensibilità, di ricerca e di intenti che invece è spesso mancante. La difficoltà di esporre insieme alla poca accortezza dei curatori, danno spesso luogo a mostre confusionarie ed eterogenee, che abbassano il livello complessivo mortificando il talento degli artisti più consapevoli.

L'immaginazione creativa nell'arte

2012-01-26T03:03:00.000-08:00

Satvat - L'Infinito oltre la siepe - acrilico su tela 2012

L'anima non vede ilmondo come un teatro di oggetti ed eventi finiti, ma con il sensovivente che essa evoca tramite l'immaginazione, per sperimentare larealtà misteriosa del dentro. James Hillman ha scritto: "Anima crea ricettacoli in ogni luogo, in qualunque luogo, peril fatto stesso di entrarvi dentro. Lo strumento con cui fa questo èla fantasia. I fenomeni prendono vita e diventano portatori di animaattraverso le nostre fantasie immaginose su di essi. Quando nonabbiamo fantasie sul mondo, il mondo è oggettivo, morto^".

Vi è però una fantasia impotente - che è incapace di sentiree quindi di dare un cuore pulsante alle cose, che è semplicedivertimento e distrazione - è c'è la nobile fantasia che èinvestita del potere dell'immaginazione creativa. Questa non siinventa, bensì si trova. Bisogna saper ascultare, trovare il battitosegreto e porsi con questo in risonanza; la brace del proprio cuoredeve giungere in contatto con il fuoco sepolto in ciò che si stacontemplando. Allora può catalizzarsi la vivida fiamma che brucia lenostre zavorre per portarci a volare: la fiamma della visione,dell'amore, dell'arte. Tale immaginazione non è mai stravagante, maè spontaneamente radicata nel linguaggio del mito, del simbolo edella parabola; rinasce in ogni volta del cuore, profondamentepoetica ed intimamente riconosciuta, per questo risulta semprefragrante. Questo è il linguaggio sovrano dell'arte, che ci offre isuoi quadri viventi di Anima, affinché possano ispirarci. Dice Osho: "Un'azione creativa accentua la bellezza del mondo: dàqualcosa al mondo, non gli sottrae nulla. Una persona creativa sipresenta al mondo per amplificarne la bellezza con un canto o undipinto; fa in modo che il mondo danzi di più, goda di più, ami dipiù, mediti di più^".

Le autentiche opere d'artesono specchi levigati con dedizione dall'artista, che si è lasciatoispirare per aver occhi più puri, accorti nel sanare le opacitàcausate dal proprio ego. Se su queste opere ci si affaccia,riflettono non le turbolenze della persona, la maschera, ma lerisonanze profondamente immaginative dell'essenza, provocandosinergie di comunione. Per esserne capace l'artista usa il culminedel proprio talento, che è l'innocenza. Questa è l'arte ogginegata, quella più vera ed attuale che continua a manifestarsi inogni cuore rapito e sincero.

Riflessioni sull'arte oggettiva e sull'edonismo negativo

2012-01-24T14:26:00.000-08:00

Uscita Oltre Confine

2012-01-22T10:17:00.000-08:00

E' disponibile il nuovo numero della rivista di arte,letteratura e spiritualità Oltre-Confine, che comprende anche un mioarticolo sull'arteterapia evolutiva, insieme a molti altri articoliinteressanti che spaziano su diversi argomenti. Ad esempio sull'insegnamento di Mikhael Aivanhov, sull'astrologia umanistica, su No Time for Karma, su massoneria e misteri, sull'India, sul sogno e sul sognare, sulla tecnica energetica EFT. Inoltre un'intervista al "regista clandestino" Silvano Agosti e un articolo su Luis Bunuel. E molto altro.

Come sempre in unamagnifica veste grafica, che rivela l'amore, la competenza e ilgusto degli amici che lavorano a questo importante progettoeditoriale. Il loro contributo, tramite questa curatissima rivista edanche per mezzo della nuova web-TV, è particolarmente prezioso perridare linfa all'anima ed alla cultura.

http://www.youtube.com/user/spaziointeriore

Il crack dell' art-system

2012-01-14T08:37:00.000-08:00

Maurizio Cattelan - Cavallo che esce dal muro

Il bubbone purulento di certa arte contemporanea sembra finalmente sul punto di scoppiare, tanto che persino Charles Saatchi - uno dei massimi creatori di tale bluff-busisness - ha dichiarato: " Fino a poco fa credevo che qualsiasi cosa potesse allargare l'interesse nell'arte contemporanea dovesse essere la benvenuta... Ma persino un narciso egoista e spaccone come me trova questo nuovo mondo dell'arte profondamente imbarazzante".

Ed imbarazzante lo è davvero, anzi patologico, con le sue esibizioni raccapriccianti e tristi, sorte dalle perversioni della mente umana: un mondo artificiale generato dall'ansia di stupire e di richiamare l'attenzione colpendo sotto la cintura, pompato al parossismo per confondere e far perdere ogni senso di valore, in modo da sguazzare incuranti nel vomito. Rendendoci insensibili per poter essere facilmente ingannati, lusingati e manovrati. Questo mondo dell'arte si è mostrato "creativo" nello stesso modo della finanza internazionale che ci ha portato alla bancarotta, identico nelle motivazioni e nella prassi; tutto imbastito sul denaro e solo per denaro: una roboante macchina cinica e corrotta, fomentata da venditori, compratori e curatori schizzati per "livelli masturbatori di autostima", e da uno stuolo di artisti "post concettuali incomprensibili". Così si è messo in scena un culmine di follia sgangherata, con i suoi animali imbalsamati o sezionati, con i suoi poveri feticci tempestati di diamanti, con i suoi ridicoli pupazzi glorificati, con le sue istallazioni senza verità e sentimento; in tutto e per tutto con una perdita d'anima che sorride macabra da orbite vuote.

Non che Saatchi si sia ravveduto, è solo che la bolla speculativa di tale miserrima arte sta esplodendo, in esatta concomitanza con lo sfascio del sistema finanziario virtuale: il gigante dai piedi di argilla sta franando su se stesso per l'evidente assenza di verità. Possiamo sperare che questo ci porti globalmente a riflettere, ad una conversione in cui si riscopra il significato essenziale dell'arte e di noi stessi. Aggiogati dall'incantesimo gettato dai numi tutelari del profitto, abbiamo smesso di coltivare la nostra umanità, il saggio patrimonio delle emozioni, la capacità intuitiva che ci porta ad essere creativi, la forza sincera della condivisione; abbagliati dal luccichio sfavillante del sistema, siamo stati attirati in un gioco smisurato e spietato che ci ha privato di ogni potere. Invece per me, come per ogni vero artista, l'arte è fondamentalmente un'esperienza di riflessione nell'Anima, da cui risorgere più autentici, originali e capaci.

La scuola del Creativo

2012-01-08T04:29:00.000-08:00

Satvat - Estasi di Luna - acrilico su tela, 2011

La creatività è ladanza spontanea dell'Essereche si estende in ogni creatura vivente e in ogni direzione permanifestare nelle materie il mistero dell'Esistenza, che è semprenuovo e fragrante. Lo spettacolo grandioso della creazione recal'ispirazione fantasiosa dell'Anima, che compone forme, colori,fragranze e suoni, imprimendo anche i suoi segni distintivi, comecerchi, spirali ed evoluzioni sinuosidali.

Thomas Moore ha affermatoche contemplando la Natura "s'impara che il processo dellacreazione continua con l'apprezzamento altamente spirituale,altamente sensuale dell'artigiano divino, che non solo ha fatto ilmondo, ma lo ha realizzato con proporzioni semplici, belle linee e imigliori materiali". Io non ho questa visionecristiana dell'artigiano divino, esterno alla Creazione, macredo ed apprezzo al più alto grado il Creativo che si rinnovanell'eterno presente, e che è tanto fuori che dentro di noi, comepresenza spirituale dell'Artista Interiore che è in ognuno e in ognicosa.

La creatività è ilclima naturale dell'Anima, la sua intrinseca potenzialità diconcepire e manifestare i sogni più arditi. Sogni pulsanti di Vitache non sono frammentari o superflui, bensì integrati in un sommomistero inconcepibile, che provoca e seduce le anime a ritrovare sestesse nell'Unità. Come ha scritto Rudolph Stainer, le immagini diquei sogni "non hanno sostanzialità. È il contenuto chevuole penetrare nell'anima e rivelarsi all'anima nell'immagine^".Tale contenuto è una qualità squisitamente spirituale che siriversa in tutte le azioni creative.

Il 2012 in un romanzo

2012-01-02T07:47:00.000-08:00

Satvat Sergio Della Puppa - L'Arcobaleno del 2012 - Youcanprint, 2010

Ho scritto il romanzo L'Arcobaleno del 2012 nel lontano 1999, facendolo circolare soprattutto tra gli amici che frequentavano Heliotropio, il centro di meditazione che allora gestivo a Roma. Seguendo una chiara spinta interiore avevo elaborato in questo libro un'apertura "profetica" della visione insieme alle riflessioni più illuminanti sul mio vissuto. Con il passare del tempo, ho visto che quanto avevo scritto assumeva via via un carattere sempre più attuale, che riguardava la mia vita ma anche l'avvento di una crisi globale, quella che oggi pone l'urgenza di una trasformazione evolutiva.

Quindi, dopo una decina d'anni dalla sua scrittura, ho deciso di revisionarlo nell'editing e di pubblicarlo per una più ampia diffusione. Mi sembra appropriato presentarlo agli amici dell'Artista Interiore in questo inizio del 2012, come proposta di narrazione appassionata e di meditazione. I suoi personaggi vivono in me e mi accompagnano lungo i percorsi nuovi, incerti ed esaltanti che tutti noi esseri umani ci troviamo a calcare; l'avventuroso gioco di specchi delle maschere e delle situazioni che si sviluppa nel romanzo ha un carattere universale e, oltre a stimolare un'avvincente lettura, si offre a molteplici riflessioni che - maturate nel collettivo - sono ricche di significati a molti livelli.

Credo che il maggior pregio di questo libro sia quello liberare con coraggio i poteri dell'Anima, senza i quali la vita resta solo un'ottusa ripetizione, priva di ogni creatività; ed ovviamente il potere comporta dei rischi e un'assunzione di responsabilità. Credo che oggi sia questa la sfida essenziale: rivendicare il potere della Vita che in noi abbiamo addormentato, per scoprirci più forti e capaci di condividere, ricreando noi stessi e un mondo nuovo.

Dalle note di copertina:

Durante questo viaggio, insieme a partecipate riflessioni sull'amore, la creatività e l'alchimia energetica, L'Arcobaleno del 2012 si inoltra nei territori misteriosi della rivelazione esoterica. Infatti è un romanzo appassionato e veritiero che, sull'onda di un'ispirata immaginazione, può aiutarci a guardare profondamente in ciò che viviamo e in noi stessi, sino a ritrovare la speranza.

Il libro può essere ordinato a Youcanprint, in libreria e nei siti internet che vendono libri. Oppure può essere richiesto a me direttamente tramite il link di contatto .

UN ILLUMINANTE 2012!

2011-12-29T08:19:00.000-08:00

Satvat - L'uomo nuovo (buddha del 2012) - acrilico su tela

Sembrava lontano: nel tempo mitico delle profezie, con il suo carico di timori e speranze, di sogni spirituali oppure di incubi ricorrenti. Un numero magico per esorcizzare il presente vissuto con scarsa consapevolezza, posticipando l'impegno totale di scoprire ed essere se stessi; alcuni con la rinuncia legittimata dal catastrofismo, altri con la speranza di un qualche aiuto sovrannaturale.

Invece eccolo, il 2012 sta irrompendo nel tempo delle nostre vite con il suo doppio volto di angelo/demone, vanificando l'indugio dell'attesa e portando nella vita vissuta il suo messaggio pressante e denso di significati; e in ogni caso è vero: l'angelo quanto il demone ci sfidano a vedere profondamente noi stessi.

Guardiamo quanto sappiamo riconoscerci, se sappiamo amare, se siamo felici, se ci permettiamo di essere creativi, cos'è che realmente ci manca, che cosa intimamente desideriamo e che cosa ci spaventa. Guardiamo negli ingranaggi spietati di questo mondo infausto che stiamo creando, incapaci come siamo di darci a noi stessi celebrando la Vita. Guardiamo intensamente come possiamo risorgere.

Per questo credo che il 2012, con la sua intensa investitura simbolica, sia il viatico stretto per giungere ad una comprensione radicalmente nuova ed irrimediabilmente necessaria. Il senso mortifero della fine, che oggi grava sull'animo umano ben più della crisi economica, manifesta la nostra perdita dell'anima e la frammentazione a cui ci siamo sottoposti vivendo solo sul piano orizzontale, facendoci orfani di un più profondo senso universale e spirituale. Vedendoci come materia, osserviamo lo schianto predestinato che la materia naturalmente incontra; abbiamo dimenticato la gloria spirituale dell'essere, ma oggi solo questa può scoprirci risorti.

In questo mio dipinto lo 0 del 2012 è formato dall'hara, il centro sottile della presenza essenziale che ci congiunge al Tutto. La figura dell'uomo nuovo siede a gambe incrociate su un cumulo di letame; questo buddha del 2012 è visibilmente androgino ed incoronato con la Luna femminile ed il Sole maschile. Abbraccia se stesso incrociando le braccia sul petto, come fanno i sufi nel raccoglimento spirituale; dalla mano destra libera una colomba simbolo di pace, e nella mano sinistra tiene un serpente - simbolo della trasformazione - disegnato come il Nodo Lunare Nord che allude alla spinta evolutiva. L'occhio sinistro, intuitivo, allarga una visione piumata, mentre da quello destro, maschile, sgorga una lacrima di pura compassione; un terzo occhio verde - colore del cuore - apre la sommità del capo alla visione spirituale. Intorno al lato sinistro della figura vi è un'ombra viola - colore della guarigione - per significare la necessità della reintegrazione consapevole dell'Ombra. Quattro stelle a sei punte (simbolo dell'unione del fuoco-alchemico/maschile con l'acqua-alchemica/femminile) irradiano cerchi di illuminazione nella parte sinistra del cielo, disperdendo le nubi oscure. Invece in alto a sinistra un pentacolo (simbolo dell'essere umano) moltiplica le sue punte radianti mandando verso terra dei fasci luminosi da cui emergono delle sfere arancioni piene di gioia di vivere.

Cari amici, con tutto ciò voglio farvi i miei amorevoli

AUGURI PER UN ILLUMINANTE 2012

OLTRE CONFINE

2011-12-19T08:39:00.000-08:00

Oltre Confine per uscire dal pantano vischioso: dell'essere umano a una sola dimensione, del mondo a una sola dimensione, della mancanza d'anima, della verità canonica, del silenzio senza meditazione, dell'amore non dato, del pensiero senza magia, dell'arte disperata, della crisi senza speranza, di un incubo senza risveglio, della cultura che non nutre, di un canto soffocato, di un abbraccio rinunciato, di uno sguardo senza vasto orizzonte, di un'azione senza attenzione, di una vita senza esultanza, di tutto ciò che imprigiona.

Oltre Confine è una nuova e molto interessante rivista di spiritualità arte e letteratura. Leggendola ho sentito una sincronica rispondenza, tanto che avrò il piacere di collaborare sulle sue pagine ricche di vita ed esperienze. La consiglio vivamente agli amici dell'Artista Interiore.

WWW. OLTRE-CONFINE.COM

Oltreconfine è un progetto culturale, una rivista mensile,
un luogo di scambio, uno strumento di informazione libera e non convenzionale,
un percorso di qualità, una scommessa.

Oltreconfine parla di arte, letteratura e spiritualità con un linguaggio chiaro, una grafica elegante e leggera, un minuzioso lavoro redazionale e un'accurata selezione di articoli, interviste, rubriche, recensioni, foto e immagini.

Oltreconfine è l'espressione fatta parola della vocazione e dell'ambizione del suo staff, quella di allargare gli orizzonti della coscienza con il coraggio di mettere costantemente in discussione dati, esperienze, verità e principi.

Oltreconfine si rivolge a tutte le menti desiderose di ampliare i propri confini e di intraprendere nuovi percorsi di ricerca spirituale.

Nuova esposizione a Roma delle mie opere

2011-12-16T07:45:00.000-08:00

Alchimia gioiosa

Un numero significativo delle mie opere è in mostra a Roma presso Thomas Creazioni Via dei Canestrari 7/9 (traversa tra Corso Rinascimento e Piazza Navona).

In esposizione dipinti, sculture e gioielli/scultura.

Nido d'aquila

Kosmos

L'Era dell'Acquario

L'oca è fuori!

2011-12-09T09:18:00.001-08:00

Satvat - L'oca è fuori! - acrilico su tela, 2011

Sul famoso koan zen dell'oca nella bottiglia ho realizzato questo nuovo dipinto, in modo più scarno e zen rispetto alla intensa coreografia sullo stesso tema che avevo dipinto ad olio molti anni fa. Il racconto pittorico si è essenzializzato divenendo forse ancor più efficace, e si è iconograficamente incentrato per rispettare l'intendimento comunicativo e simbolico che ha motivato la mia nuova mostra Officina di Risveglio.

Qui e ora

2011-12-06T10:14:00.001-08:00


Satvat - Hic et nunc (qui e ora) - acrilico su tela 2011

Ho dipinto questo Buddha/fenice come meditazione nel qui e ora. La spada recide simbolicamente i legami mentali con il passato e il futuro. La veste è rossa, colore attivo dell'attenzione. Il fuoco da cui sorge la fenice incenerisce le identificazioni, così il presente fluisce con spontanea innocenza, perciò in modo sempre originale.

Ribellione spirituale

2011-12-04T00:49:00.001-08:00

Satvat - Ribellione spirituale - acrilico su tela 2011

L'individuoche si impegna ad essere consapevole è inevitabilmente sottosoprarispetto alla massa, la quale subisce la gravitazione dolente dellamancanza di creatività e della rassegnazione all'assenza di amore. Infatti egli non si lascia passivamente opprimere dai meccanismi psicologici edesistenziali di un sistema malato che proprio dalla massa incoscientetrae vitalità e sostegno. Un tale ribelle è autentico e spontaneo,non reattivo, e trae energia dalla Sorgente; avendo fiducia nellaVita e nella verità essenziale della propria presenza, non teme diessere controcorrente perché sa che effettivamente sta seguendo ilflusso sacro dell'Esistenza quanto del proprio destino. In ognimomento si affranca dal peso inutile del passato disponendosi alnuovo, con la leggerezza ineffabile della naturale rispondenza; escedal solco pietrificato e sterile della mente di massa, così può spargere semiche attecchiscono per fioriture sorprendenti. Paga per questo unprezzo a volte evidente eppure irrisorio, dato che rispettando edaccettando il proprio destino può scoprire e condividere le suericchezze; questo è più che abbastanza, anche perché egli sa dareil giusto valore alle cose e non si affanna seguendo l'inganno deidesideri indotti.

Per esprimere tutto questo ho dipinto un Buddhasottosopra rispetto ad una serie di volti picassiani, le cui fattezzesghimbesce mostrano un'evidente schizofrenia. La figura è rilassata,centrata nella meditazione, e la sua veste si avviluppa circolarmente nell'azzurrocome i petali di una rosa. Le sue radici sono in cielo, come l'AlberoCosmico della mitologia nordica, ma forse sarebbe meglio dire che ilBuddha poggia nell'intima realtà di se stesso, in cui si esprime laVerità di ciò che è. Il quadro può essere appeso anche nell'altrosenso, mostrando chi è realmente sottosopra.

Ho intenzionalmente citato Picasso, il quale èstato certamente un grande rivoluzionario dell'Arte Moderna, ma nonun ribelle nel senso che ho sopra descritto. La differenza è enorme,tanto che l'artista ha agito spronando il proprio io contro illimite, procurando un gigantismo distorcente che ha afflitto luie la sua opera. La sua arte geniale è stata soprattutto –come Picasso stesso ha affermato – un'arte-contro, ossia si è motivatareagendo risolutamente agli schemi; questa attitudine, a mio parere, non può esprimere ilvalore essenziale che invece può sprigionarsi da una libera econsapevole meditazione artistica, che spontaneamente muove per propria forza vitale dall'interiore.

Una cura per lo stress post-traumatico da crisi

2011-11-24T07:50:00.001-08:00

Satvat - Alchimia metropolitana - Acrilico su tela

Uneffetto collaterale e non trascurabile dell'attuale crisi economica ècertamente quello della depressione psicologica. La decadenzadell'intero schema di riferimento socio-economico abbatte ognisicurezza, rendendo inattuale ogni prospettiva logica dello sviluppo.Sappiamo che nulla sarà più come prima: tutto quello che sidava per scontato – e su cui ci si appoggiava – sta franando, manon si hanno né idee né risorse per agire concretamente verso uncambiamento positivo. Nonostante tutti i sacrifici imposti, non sipotrà tornare indietro, e il futuro ci viene forzosamente strappatodi mano. Improvvisamente ci siamo accorti che siamo statiespropriati da ogni capacità decisionale, che la vita che abbiamovissuto e stiamo vivendo è il risultato delle scelteverticistiche e spietate di un potere su cui non abbiamo alcuncontrollo. Lasciando da parte tutte le considerazioni politiche,vorrei si riflettesse sul fatto che stiamo accusando in modo generalizzato chiarisintomi di stress post-traumatico: depressione, stanchezza cronica,irritabilità, difficoltà di concentrazione, ansia per ogni minimacosa, chiusura in se stessi.

Tutto ciò non dev'essere trascurato, non solo perché ci rende tanto infelici ma anche perché così ci siimpoverisce di forza vitale, in una situazione che invece richiede unacume di consapevolezza e di creatività. Siamo tuttavia pronti areagire, non ad agire, e in tal modo si naufraga nel senso diimpotenza, non essendo in grado di cogliere ed inventare nuoveopportunità. Credo sia fondamentale – prima ancora di tentare diaggiustare la situazione esteriore – che ci prendiamo cura dellanostra situazione interiore, ribilanciando le nostre energie etrovando delle aree meditative in cui rinfrancarci. Non ho dubbi cheun nuovo mondo ed un nuovo stile di vita potranno venire solodall'attitudine creativa di un uomo nuovo, che abbia sanato i suoiconflitti ed abbia attivato il motore spirituale delle energieinteriori; dobbiamo essere in pace per manifestarci in un mondo dipace, e dobbiamo divenire creativi per gettare le basi di unosviluppo radicalmente innovativo. Per non perderci – in molti casiper non schiantarci – in un momento tanto ostico e delicato,possiamo riscoprire ed utilizzare le nostre facoltà naturali, inparticolare riconnettendoci al nostro potenziale creativo, iniziandoa praticare una qualche forma di espressione artistica, ed ancheavvalendoci dell'arteterapia.

La creatività ci aiuta a riconoscerciin ciò che realmente siamo, riscoprendo i nostri talenti dimenticatiche ci aiutano a ritrovare l'autostima e la capacità di agire inmodo responsabile e originale; inoltre ci proietta in un tempo "altro",in cui stacchiamo la spina dalle preoccupazioni quotidiane,permettendoci di ricaricarci nell'intimo contatto con l'energiavivente della Vita. Non sono vane parole, come ha ampiamentedimostrato l'arteterapia nel corso del trattamento psicologico anche di stati traumatici gravi, ad esempio in relazione a situazioni diperdita, di abuso e di malattia. Come ha scritto l'arteterapeutaCathy A. Malchiodi: "Facendoarte le persone si sottraggono alla presenza della malattia,dimenticando il loro stato fisico e aprendosi a esperienze diverse.Inoltre, come ci dicono molti pazienti conversando sul valore delprocesso artistico, l'arte è un'esperienza che offre una forma ditrascendenza: quando sono impegnati in quell'attività spesso sielevano al di sopra della malattia, vincono il dolore e superanoangosce e paure".
Chiaramentequesto è vero in ogni caso di malessere, anche quello contemporaneo e socialmente condiviso che è portato dalla crisi. In definitiva dovremmo comprendere che siamo noi stessi la nostra maggiore risorsa.

Chi siamo? Da dove veniamo? Dove andiamo?

2011-11-16T07:06:00.001-08:00

Siresta esterrefatti quando si osserva la povertà essenziale dellacultura contemporanea. Ancor più quando ci si confronta con personesensibili che si sono elevate dalle pastoie della mente di massa, percui ci si aspetterebbe da loro una capacità di indagine che siarispondente ad una comprensione effettiva ed originale della realtà.Anche quando mi trovo a dialogare con quelli che dovrebbero esseregli "addetti ai lavori" – intellettuali, artisti, insegnanti – hospesso questa impressione di sconfortante mancanza, di perdita didirezione e significato. Non sappiamo più collocare noi stessi e ilnostro agire, sembrando che ci siamo spersi in un limbo in cui ognicosa viene passivamente accettata, in realtà subita, senza esserepiù in grado di esercitare la benché minima capacità critica, nelsenso buono della parola. Intendo l'attitudine critica perriconoscere ciò che ci fa bene da ciò che invece ci danneggia, eche sa distinguere il vero dal falso, o l'effettivo dalla demagogiaimperante del "come se".

Satva - In cammino verso l'alba, acrilico su tela

Ci si accomoda nel "niente va bene", rinunciandoalla proposizione creativa che può scaturire dalle spinte interiorie salutari dell'anima. Si continua così a dare la propria adesionealle accanite menzogne, legittimate solo dalla ripetizione mediatica,sapendone nell'intimo la falsità a cui non ci si oppone, perindolenza più ancora che per convenienza; in ogni campo: nellapolitica e nella finanza, così come nell'arte e nella disposizionegenerale alla vita. Non ci si ribella, non si azzarda di essereautentici e consapevoli del punto in cui siamo, sognando tutt'ora -nonostante la più cocente disillusione - che le risposte possanogiungerci dalle alte torri del potere che sta soffocando la nostravita. Si potrebbe riconoscere che ogni forma della cultura umana èscaturita da tre domande fondamentali, che oggi sono state rimosse:Chi siamo? Da dove veniamo? Dove andiamo?

Satvat - Rinascita, scultura in argento

L'investigazioneappassionata di "chi siamo?" ci pone l'urgenza di trovare un profondosenso di identità e di realtà, che ci ponga in connessione con lerisorse intuitive e creative della nostra anima. Quando ci lasciamoespropriare di questa domanda essenziale, dimentichiamo il soggettointorno al quale si dovrebbe sviluppare la nostra esperienzaesistenziale, accettando lo status quo di un sistema massificatosenza capire che siamo noi i creatori della nostra realtà. Alloraveniamo estraniati da noi stessi, assumiamo passivamente la finzionedel "come se" e viviamo emozioni e pensieri indotti, perpetrando schemidistruttivi. In tal modo la società non è il frutto di unacooperazione tra individui per il bene comune, ma una gabbia che ciimprigiona assecondando un volere verticistico che ci riduce a "cose"senz'anima, atte a produrre e a consumare. L'arte diventa mercato emoda, non più un veicolo potente dell'anima; non si è neppure ingrado di sapere cosa sia l'arte, perché ogni riferimento animico èstato annullato.

Comprendere "da dove veniamo?" ci inserisce nel vastopanorama dell'evoluzione umana, aiutandoci a trovare i nessi chechiariscono il punto in cui ci troviamo. A questo proposito, ricco diimplicazioni, dirò solo che trovo sconfortante che la riflessionesulla storia dell'arte si mostri tanto incapace di legareorganicamente le varie espressioni artistiche che si sono sviluppatenel tempo, le quali, se si riflette nell'anima, rivelano invece unchiarificante percorso di evoluzione intuitiva e creatrice, come hodescritto nel mio libro IL TAO DELLA PITTURA.

Trascurando "chi siamo?"si perde il senso introspettivo di "da dove veniamo?," così tuttoappare casuale, episodico, epidermicamente estetico (o reattivamentenon-estetico) e ogni cosa viene fallacemente giustificata in una esteriorità privata del senso intrinseco. L'implosione non-creativa di "chi siamo?" ciimpedisce la necessaria veggenza di "dove andiamo?" gettandoci in unacrisi epocale che siamo effettivamente incapaci di gestire esuperare.

L'unica possibilità di salvezza? Tornare a noi stessiri-animandoci: solo da questo potranno sgorgare una nuova dignità,delle nuove scelte, una nuova cooperazione, una nuova creatività, unnuovo benessere, una nuova arte a misura di un uomo nuovo, atta arivelare e condividere le ispirazioni preziose della guida interiore.

Georgia O'Keeffe

2011-11-08T02:45:00.000-08:00

Georgia O'Keeffe, come disse lei stessa, ha semplicemente dipinto, senza farsi carico dell'opinione comune che le donne non fossero grandi pittrici. Seguendo con passione la propria via, dipingendo in modo squisitamente femminile, è diventata la più grande pittrice moderna statunitense. Vediamo ed appezziamo l'enfasi dei suoi colori morbidi, fatti di inflorescenze avvolte a pistilli eretti e tanto intriganti, cedendo alla magia sensuale - erotica - dell'apparenza; ma non dovremmo ingannarci: attraversando l'espansione dei sensi l'artista ha puntato a raggiungere il cuore del deserto. Ha adorato quella somma asciuttezza silenziosa, quella pace arcaica ed immutabile, quel calore interno che ritorna l'anima virginale, senza astuzie né rimpianti; l'ha fatto seguendo la Via umida, femminile, distillando quintessenza dalle materie grasse, emozionali, dell'immaginazione e della pittura.

Georgia O'Keeffe - Two calla lilies on pink, 1928

Credo che Georgia O'Keeffe abbia dipinto quei volumi carnalmente floreali per potersi innamorare, lei caratterialmente così ritirata: quelle immagini cariche di seduzione e languore le erano forse necessarie per accendere il fuoco di una combustione interna finalizzata all'ascesi. Calore nei sensi come il calore nel deserto che asciuga rendendo tutto all'essenzialità immutabile della pietra. L'artista lo sapeva in fondo all'anima, già prima degli inesausti pellegrinaggi nel deserto, già prima delle sue raccolte di sassi bruciati e di teschi animali calcinati dal sole. Hanno visto la complementarietà di vita e morte, nei fiori e nei teschi da lei dipinti; ma non vedete? Quel teschio biancheggiante a mezzo cielo è in verità il fiore più bello, perché non caduco; non è morto ma è più vivo dell'animale a cui era appartenuto, poiché si è battesimato nell'arsura sino a meritarsi una dimora celeste, come gli antichi eroi. Questo è, a mio parere, quello che Georgia O'Keeffe ha cercato, imparato ed insegnato, nella sua pittura quanto nella sua vita.

La pittura di Georgia O' Keeffe a Roma

2011-11-07T06:58:00.001-08:00

Questa è la prima mostra che presenta in modoesauriente in Italia il lavoro di Georgia O'Keeffe, la piùimportante pittrice moderna americana. Un'attenta selezione delleopere, che mostrano un escursus completo sui temi e sulle diversefasi dell'espressione creativa dell'artista, insieme ad unafantasiosa e sorprendente cura espositiva, ne fanno una mostraintensa ed imperdibile.

Georgia O'Keefe - Summer Days, 1936

GEORGIA O'KEEFFE

4 OTTOBRE 2011 - 22 GENNAIO 2012

FONDAZIONE ROMA MUSEO

Palazzo Cipolla - Via del Corso, 320 - Roma

Alchimia creativa con l'animale totemico

2011-11-04T04:00:00.000-07:00

Il prossimo seminario a ART&VITA - il 12 novembre - sarà dedicato all'esplorazione del tema del totemismo animale, mediante il disegno e la pittura. E' questo un campo particolarmente potente, che evoca le radici primeve dell'energia vitale. Durante il corso ognuno potrà rintracciare il proprio animale totemico, facendone un alleato prezioso per comprendere ed agire le sfide del vivere con maggior fierezza e potere. Praticando le opportunità dell'alchimia creativa, vedremo la nostra situazione da una prospettiva nuova, più naturale e liberata, ossia non gravata dal peso del passato e delle ingannevoli interpretazioni mentali. Assumendo con particolari esercizi i poteri del nostro genio animale - poteri di cui disponiamo naturalmente ma che normalmente non rivendichiamo - verificheremo un livello esistenziale più vitale e creativo, appropriandoci di validi strumenti operativi che potremo utilizzare in ogni occasione del vivere, per realizzare un'esistenza più soddisfacente ed energetica.

ALCHIMIA CREATIVA CON L'ANIMALE TOTEMICO

12 NOVEMBRE PRESSO ART&VITA

ISCRIZIONI ANCORA APERTE

Per informazioni e iscrizioni seguire il link SATVAT-CORSI

Lanostra cultura - sprofondata nel materialismo - è semplicementedivenuta ignara della possibilità di utilizzare il genioanimale per attivare le potenze latenti dell'Anima. Tuttavia glianimali appaiono spesso nei nostri sogni, venendo copiosamenteindagati dalla psicanalisi; le loro raffigurazioni hanno anchepopolato l'Arte Moderna, con significati esoterici ed una indomitavitalità eversiva. In generale, il recupero consapevole dellavirtualità energetica dell'animaletotemicopuò essere un'avventura preziosa ed entusiasmante. Nel mio libroL'Artista Interiore ho presentato su questo un valido esercizio,mediante la pratica meditativa del disegno. A chi si sentisseispirato dal tema, consiglierei anche di partecipare a qualcheseminario di tipo sciamanico, piuttosto che limitarsi ad un studiomeramente intellettuale.

Tratto dal libro di Satvat RIPRENDIAMOCI L'ANIMA! - in preparazione -

Variazione del calendario corsi

2011-10-29T14:06:00.001-07:00

Come ho già comunicato agli iscritti, per motivi organizzativi il corso di alchimia creativa sul tema dell'animale totemico è stata spostata al 12 Novembre.

Inoltre il 10 Dicembre è stata programmata una giornata dedicata alla scoperta dell'Artista Interiore, rivolta a chiunque voglia esplorare con libertà il proprio potenziale creativo, superando con facilità il senso di inadeguatezza e persino di incapacità ad esprimersi artisticamente. Una educazione sbagliata e fuorviante vi ha convinto di essere inabili a disegnare e dipingere, costringendo il vostro artista interiore a languire impoverendovi di risorse e di energia vitale? Questo corso è progettato per ristabilire la connessione con le facoltà creative ed il talento naturale, in modo da potersi riappropriare di un mezzo straordinario di espressione e di auto-conoscenza. La creatività artistica è per ognuno un diritto di nascita e un campo libero di esultanza e di contatto con la propria anima, divenendo anche un metodo giocoso per meditare e risolvere i conflitti.

Dall'intensivo di mu-painting

2011-10-25T02:10:00.000-07:00

Con un pò di ritardo, pubblichiamo qualche istantanea presa nel vivo dell'intensivo di mu-painting.

Mi sono addentrato nella foresta dei cavalletti, dove cuori intensamente vivi spremevano i colori del silenzio.
Ho veduto le opere lievitare come il pane, rigonfiandosi sino a sbocciare.
Ho ascoltato le canzoni degli amici, e li ho aiutati a tradurle sul pentagramma del sogno e sulla tela.
Di tutto questo sono grato, mentre lo spirito chiama nel tempo nuove avventure.

Satvat

Altre foto su arte-vitainteriore.blogspot.com

Il Re (dell'arte) è nudo!

2011-10-13T03:42:00.000-07:00

Mentreassistiamo al triste spettacolo di un'arte sempre più degradata,ridotta ad oggetto dei tormentosi assilli della mente quanto di unalogica ingannevolmente finanziaria, è ormai lampante - per chiconservi un pò di rispondente innocenza - che il Re dell'arte ènudo. Roboanti imbonitori continuano ad impastare, con il nientedella mera trivialità, l'illusione di un abito fastoso, volendofarci credere che questa arte priva della sostanza dell'arte –ossia senz'anima - sia una creazione d'artista, che sia importante,significativa e preziosa. Ma tale forzosa apparenza, sottolineata daquotazioni milionarie, è irrimediabilmente triste e vuota.

Il cowboy di Takashi Murakami

Vogliono far sembrare lontano il tempo in cui l'artistascandagliava i sentori più appassionati, mescolandoli ericonoscendoli con la mediazione delle materie dell'arte; da talealchimia si formava il lavoro, saturo di impressioni date dalla mano,dal cuore e dal miracolo dell'ispirazione. Segno riconoscibile di unprocesso d'anima, l'opera trasfondeva il senso di un rito dipassaggio, che aveva formato l'artista quanto l'opera stessa.L'ispirazione era stata accolta nell'intimo e digerita, traendone unaforza capace di forgiare la materia, che ne conservava la memoriatraducendola in suggestione vivente, atta a comunicarsiall'osservatore. Che dire oggi di tutto questo vomito "artistico",in cui si espelle la tronfia apparenza (scaltramente celebrataoppure sintomo d'incapacità di approfondimento) e di cui nulla è stato digerito?!

IlRe dell'arte oggi è nudo, ricoperto solo dalle vane parole degliscaltri mercanti, dei critici venduti, degli investitori in arte chesi preoccupano unicamente di puntare al rialzo. Senza verità eamore, senza comprensione e partecipazione alla ricchezza creativa.Sono molti gli artisti che si lasciano irretire dal gioco perverso,rinunciando al loro potere per cercare di farsi incontro a chieffettivamente li disprezza - poiché disprezza l'anima che essievidenziano - oppure li sfrutta con l'illusione di un successopossibile, con concorsi fasulli ed inutili mostre a pagamento senza pubblico; inogni caso le regole del gioco sono tali che l'artista è sempreperdente. Perché oggi non importa il valore autentico dell'opera diun artista, dato dallo splendore d'anima; conta molto di piùl'investitura politicante, il nepotismo che impone arbitrariamente unalto prezzo di mercato.

(continua)

L'irrinunciabile creatività

2011-10-05T14:04:00.000-07:00

In questa crisi epocale, causata dall'ossessione per il maggior profitto quanto dalla negazione dell'anima e della naturale creatività, gli artisti sono certamente i più esposti. In qualche modo, se sono consapevolmente radicati nell'esperienza interiore, portano l'antigene per curare la malattia: una visione vitalmente spirituale, innovativa e più profonda; ma la massa guarda da tutt'altra parte, gravitata da un magnetismo oscuro ed autodistruttivo che rinnega la possibilità dell'evoluzione creativa. Gli artisti seguono il flusso naturale della vita, ma in questa assoluta mancanza di verità si trovano ad essere radicalmente controcorrente, sempre più emarginati, e non di rado deprivati persino dai mezzi necessari ad operare creativamente.

Mentre meditavo in questo senso, ho trovato queste parole di Mirò che mostrano come la creatività sia un flusso sacro ed inarrestabile:

Se verranno a mancarmi i materiali per lavorare, recarsi sulla spiaggia e tracciare segni sulla sabbia con una canna, disegnare pisciando sulla terra secca, disegnare nello spazio vuoto il grafico del canto degli uccelli, il rumore dell'acqua e del vento e di una ruota di un carretto e il canto degli insetti, e che tutto questo venga poi trascinato via dal vento, dall'acqua, ma essere certi che tutte queste realizzazioni del mio spirito avranno una ripercussione, per magia e per miracolo, nello spirito di altri uomini.

Joan Mirò

Corso intensivo di Mu-painting

2011-09-29T13:40:00.000-07:00

IL 15 E IL 16 OTTOBRE 2011

SI SVOLGERA' PRESSO ART&VITA

L'INTENSIVO DI MU-PAINTING

Considero la Mu-painting la più avanzata espressione artistica e meditativa della mia ricerca nella pittura. In questo corso intensivo – proposto per la prima volta in modo integrale e completo – i partecipanti saranno guidati ad esplorare e a sperimentare creativamente le ispirazioni che mi hanno portato a concepire questo particolare stile pittorico, giungendo ad affinare il loro talento nella pratica di una elaborazione artistica originale.

L'intensivo di Mu-painting può essere – sia per i principianti che per i pittori esperti – l'occasione di una meditazione celebrativa con il segno e il colore, che rifletterà sulla tela l'intenso processo di alchimia creativa che donerà alla dimensione interiore delle nuove qualità di vitalità ed illuminazione, portando l'anima a danzare. Infatti contemplando un quadro di Mu-painting si riceve nell'anima un invito a danzare, e quell'ispirazione riflette quanto ha vissuto il pittore quando ha mollato gli ormeggi pietrificanti dell'ego e si è lasciato rapire dal flusso della pittura.

Lavorando insieme nel gruppo, ma ciascuno nella propria miniera interiore, si verrà guidati a portare consapevolezza ad ogni pennellata, a cogliere l'inaspettato dell'intuizione, a realizzare una visione nuova, entusiasmante e più sottile. Ad ogni grado dell'operare, un dipinto di Mu-painting favorisce delle comprensioni artistiche ed animiche che si fondano sulla scansione ritmica dell'ispirazione; le particolari qualità plastiche di questo stile pittorico – ad esempio la circolarità e il cromatismo vivace – stimolano l'anima ad espandersi al di là degli steccati convenzionali, in campi liberi dell'espressione che risultano ineffabilmente equilibrati, perché non sono assoggettati all'asfissia dell'ego ma sono ispirati da un sentimento di universalità. Approfondendosi nel corso del training creativo, il pittore può scoprirsi liberato e capace di creare con grazia ed intuizione.

Clicca sul link per leggere il MANIFESTO DELLA MU-PAINTING

Per informazioni ed iscrizioni seguire il link CORSI DI SATVAT

È PREVISTO UN ATTESTATO DI PARTECIPAZIONE.

INOLTRE QUESTO CORSO E' VALEVOLE PER RICHIEDERE A SATVAT LA CERTIFICAZIONE DI "PITTORE DI MU-PAINTING".

ART&VITA: seminario di pittura neo-zen

2011-09-21T13:43:00.000-07:00

L'inchiostro, impregnando il pennello,
porta un'animazione vivace;
il pennello, muovendo l'inchiostro,
porta a una dimensione di Spirito.

Shitao

altre foto su arte-vitainteriore.blogspot.com

ART&VITA: seminario dal caos all'armonia

2011-09-20T03:23:00.000-07:00

Altre foto su arte-vitainteriore.blogspot.com

L'artista nuovo

2011-08-31T06:56:00.000-07:00

L'artista nuovo:

E' un ribelle che riconosce l'unica autorità dell'Ispirazione.
Vive autenticamente e responsabilmente le proprie emozioni.
Rivendica la sua individualità, la sua libertà e la sua autodeterminazione.
Approfondendosi nell'intuizione, si scopre universale.
Apprende ed applica l'alchimia dell'energia e della forma.
Trasforma il suo lavoro trasformando se stesso.
Non duplica la realtà, falsificandola, ma crea una realtà nuova vivendola.
Non si proietta verso un risultato, bensì celebra spontaneamente la creazione del qui e ora.
Non è mosso dall'orgoglio, bensì dall'innocenza.
Crea in connessione con la Sorgente, e facendolo dimentica se stesso.
Dimenticandosi di sé scopre Chi è.
Si guarisce esprimendo tutto ciò che c'è.
Fluisce spontaneamente con tutto quello che c'è, senza interferire con la mente.
Non cerca affatto la perfezione, ma ama e lascia accadere nell'imperfezione il massimo bene.
Tale imperfezione creativa, essendo il massimo bene, guarisce.

La grande pittura cinese a Roma

2011-08-09T08:42:00.000-07:00

Dipinto di Huang Binhong

Una magnifica mostra a Roma dei maestri della pittura moderna cinese. Bene allestita, guida ad assaporare alcuni dipinti ad inchiostro e colore che mantengono il tesoro inconfondibile della pittura tradizionale cinese, aprendosi però alla modernità e confrontandosi anche con le potenzialità liberamente espressive che la pittura occidentale ha rivendicato dalla fine dell'800.

Credo sia una rara occasione per apprezzare il lavoro di grandi artisti cinesi, quali Ren Bonian, Qi Baishi, Huang Binhong, Jiang Zhahohe, Pan Tianshou, Li Keran. Le loro opere, delicate ma straordinariamente dotate di nerbo interiore, trasmettono l'intuizione folgorante del Tao che si riflette nella pittura del paesaggio (concertazione classica di yin e yang), nei ritratti e nelle forme della natura.

Dulcis in fondo, la mostra è gratuita! Peccato però che non sia stato approntato il catalogo.

OLTRE LA TRADIZIONE

I maestri della pittura moderna cinese

Palazzo Venezia - Roma

23 giugno - 15 settembre

I prossimi appuntamenti di ART&VITA

2011-08-07T06:59:00.000-07:00

Su http://arte-vitainteriore.blogspot.com la presentazione dei prossimi corsi di ART&VITA

DAL CAOS ALL'ARMONIA - 17 settembre

PITTURA NEO-ZEN - 18 settembre

link:

http://www.satvat.it/index.php?option=com_content&view=article&id=198&Itemid=263&lang=it

Il recupero creativo 3

2011-08-07T04:06:00.000-07:00

Satvat - Fuori è dentro 2 - acrilico su tela

La prima cosa importante da fare consiste nel darsi delle occasioni di voluttuosa pigrizia in cui distaccarsi dalla frenetica routine quotidiana, per stare un po' con se stessi e dedicarsi a piacevoli facezie; in tale rilassamento l'artista-bambino prende confidenza di sé ed accumula le forze. Ma nel disporsi a far questo incontriamo già il primo no che ci imponiamo: siamo sempre terribilmente indaffarati, il dolce far niente sembra proprio improponibile, ingiustificato ed anche un po' colpevole. Ci sentiamo degni di rispetto solo se siamo occupati e produttivi, ed inoltre siamo abituati a sfuggirci; è strano: siamo stati talmente allontanati dalla nostra anima che spesso siamo più a disagio con noi stessi che con chiunque altro. Per questo il recupero inizia esattamente da qui.

L'interiorità è un territorio fertilissimo ed indicibilmente ricco di semi creativi che però restano allo stato latente, se non si procede a risvegliarli. Basterebbero il nostro amore ed una profonda fiducia, ma i nostri condizionamenti ci precludono una via tanto semplice e diretta; c'è quindi bisogno, almeno inizialmente, di intensificare la ricerca delle più opportune sollecitazioni: frequentare le mostre d'arte, scegliere con accortezza le nostre letture, i film e gli spettacoli da vedere, visitare luoghi ricchi di ispirazione; è particolarmente utile partecipare a qualche tipo di seminario creativo. Ci si dispone così ad imparare, ma l'apprendimento artistico, volgendosi all'anima, è radicalmente diverso da qualsiasi approccio scolastico, che assume ed elabora una mole di informazioni per determinare un sistema di conoscenze. Si tratta piuttosto di ricevere ispirazione per disfare i blocchi che impediscono all'artista-bambino di creare con gioia e naturalezza. Questo intendeva Picasso, dicendo che gli ci era voluta tutta la vita per imparare a disegnare come un bambino.

Abbiamo detto che gli artisti bloccati patiscono prevenzioni e gelosie verso chi si impegna a spezzare il circolo vizioso della mente-non-creativa; questo non solo li ostacola nella possibilità del loro stesso recupero creativo, ma rende in generale difficoltosa la condivisione dell'arte. Privati del supporto sociale, gli artisti in via di recupero incappano facilmente in una quantità di dubbi e malumori distruttivi riguardo a loro stessi ed al loro lavoro. Il modo infallibile per uscire da tale impasse è quello di mollare sempre più le identificazioni egotiche, comprendendo che la creatività non è un lavoro ordinario che attende un compenso (puntando alla fama o alla ricchezza), bensì è , come ha scritto J. Cameron: - il dono che la Natura (Dio) ci ha fatto. Usare la nostra creatività è il nostro dono a Dio (alla Natura) -. Con tale comprensione si viene raccolti da un enorme flusso di energia, che è quello della Vita stessa, il quale ci innalza oltre i nostri limiti, verificando anche - come abbiamo detto - degli aiuti impensati. Si può giustamente godere del successo, ma giunge più facilmente in modo inatteso, quando non manca ossessivamente poiché si sta godendo la pienezza della creazione.

Tratto dal nuovo libro di Satvat RIPRENDIAMOCI L'ANIMA! in corso di scrittura.

I prossimi corsi di arte e meditazione con Satvat

2011-08-01T10:42:00.001-07:00

- DAL CAOS ALL'ARMONIA -

Sabato 17 settembre dalle ore 12 alle 18

- PITTURA NEO-ZEN -

Domenica 18 settembre dalle ore 12 alle ore 18

Satvat - Sigillo sulle onde del mutamento - acrilico su tela

Questi due seminari sono vivamente sinergici, anche se ciascuno di essi è completo in se stesso, e può essere scelto singolarmente. Insieme sperimenteremo la potenzialità armonicamente creativa del caos. Siamo stati educati a negare il caos, dentro e fuori di noi, ma esso è uno dei poteri più grandi dell'Anima e della Vita; sono proprio il rifiuto che opponiamo e la nostra inconsapevolezza a portarci a viverlo tragicamente, franando in modo involutivo e senza speranza. Nietzsche ha scritto che ci vuole del caos per dare origine ad una stella danzante, ma anche noi dobbiamo imparare a danzare sull'onda selvaggia del caos; e possiamo farlo, connettendoci meditativamente e fiduciosamente con il nostro centro, che è il centro dell'intera Esistenza. Allora saremo saggi - perché l'Esistenza è massimamente saggia - e creativi - perché l'Esistenza è massimamente creativa - e sapremo dare vita al nuovo - perché l'Esistenza si rinnova incessantemente.

Come per ogni essere umano, per l'artista la maturazione nel caos è fondamentale, poiché rende vero ciò che egli crea, intonandolo alle correnti poderose dell'Anima e della Vita; in tal modo l'opera d'arte sfugge al controllo limitante della mente, divenendo ricca, multidimensionale, pulsante e ispirativa. Scolasticamente si impara a dipingere inseguendo un'idea di perfezione, e così possono crearsi solo delle superfici estetiche, senza profondità, prive di Anima. L'arte - come la Vita - richiede coraggio, intuizione e verità. Ma, come dicevo, bisogna imparare a cavalcare consapevolmente l'onda grossa, altrimenti ci si schianta.

Molti artisti moderni hanno riconosciuto il valore irrinunciabile del caos, ma si sono arenati nella disarmonia urlante, imponendovi spesso il sigillo corrotto dell'edonismo negativo. In modo più spiritualmente maturo hanno saputo agire altri grandi artisti, molti dei quali avevano appreso le lezioni dell'arte meditativa dell'Estremo Oriente, in particolare della pittura. Perché la pittura può essere specchio dell'anima: meditando nello specchio si incontra inizialmente il caos dell'apparenza, ma via via la polvere si dissolve ed emerge lo splendore. Perciò si è detto: la pittura è Zen.

Il recupero creativo 2

2011-08-01T09:20:00.000-07:00


Satvat - Universal web, basic istinct

Invece gli artisti - tranne i pochi dei quali si rispetta più il successo che l'espressione dell'anima - vengono emarginati e bollati con le stesse prevenzioni con cui gli artisti bloccati giustificano il loro rifiuto a coinvolgersi artisticamente ed animicamente: si pensa che per voler essere artisti bisogna essere infantili, irresponsabili, illusi, egocentrici, perversi, inaffidabili, pazzi, sessualmente agitati, psicologicamente instabili, eccessivi, dipendenti da alcol e droghe, sregolati in ogni cosa, ammalati di solitudine, incapaci di combinare qualcosa di buono nella vita e di creare ricchezza. A ben guardare queste idee malsane e ridicole sono quelle che serrano pesantemente la soglia che si apre sull'anima; infatti il benpensante rinnega la propria anima poiché teme di incorrere nella follia e nell'ostracismo sociale.

La cosa triste è che tanti artisti hanno accolto come proiezione dell'Ombra ciò che abbiamo descritto qui sopra, alimentando magari la gloria dell'arte ma incorrendo in vite miserabili; e molti altri vagolano con un piede di qua e uno di là della linea di demarcazione che separa la consuetudine borghese dal loro sogno di creatività, divenendo terribilmente frustrati ed incapaci. L'essere artista non dipende affatto dal successo che si riscuote, è piuttosto il coraggio e l'esultanza di seguire il proprio cuore, incontrando se stessi e muovendosi assecondando la necessità interiore. Solo per alcuni questa spinta è talmente forte da divenire un'essenziale scelta di vita, ma per ogni individuo il “recupero creativo” può essere una vera benedizione, un'integrazione che va a sostenere e ad illuminare ogni esistenza che si è scelto di vivere.

Non è mai troppo tardi per ascoltare il richiamo dell'anima-artista, che potrebbe condurre ad iscriversi ad una scuola di danza o di recitazione, o a prendere in mano i pennelli e i colori, o a lavorare la creta, o ad imparare a suonare uno strumento, o ad iniziare finalmente a scrivere il libro le cui parole abbiamo rimuginato per anni in ordine sparso. Questo volgersi a se stessi, decidendo di rispondere alla pressante domanda interiore che si è ignorata per tanto tempo, può donare la più alta soddisfazione. Tuttavia chi si desse il consenso di avviarsi su un percorso di “recupero artistico” si troverebbe inevitabilmente ad incappare in una copiosa serie di difficoltà, che rischierebbero di scoraggiarlo.

Oltre ai fantasmi delle proiezioni mentali di cui già abbiamo parlato, una delle cose più difficili che l'aspirante artista deve affrontare è la vergogna: di esporsi, di rendersi vulnerabile, di non sentirsi all'altezza; tutto ciò è accompagnato da bruciori dell'anima che rinfocolano tutte le antiche vergogne che egli ha patito fin da quando era bambino, quando i parenti, gli insegnanti, e persino gli amici, avevano sminuito i sui fermenti creativi.

L'artista interiore è un aspetto importantissimo dell'anima, e come lei è simile a un bambino, perciò è suggestionabile e, seppure la sua natura sarebbe naturalmente espansiva, in fondo basta poco per indurlo a contrarsi; essenzialmente avrebbe bisogno di un'atmosfera amorevole per fluire e crescere, ma il confronto con l'esterno gli giunge sempre penosamente spinoso. L'artista bloccato che lavora al proprio recupero non può contare neppure sull'appoggio dei propri amici, se questi rimangono artisti bloccati privi dell'impulso al riscatto; in tal caso essi non possono che scoraggiarlo, con critiche e bocciature più o meno velate.

Per poter andare avanti bisogna procedere responsabilmente e contando primariamente su se stessi e sulle proprie esigenze interiori, dando alla propria anima tutta l'amorevolezza, l'autostima e le giuste opportunità di esperienza che le sono necessarie. Intimamente sappiamo ciò di cui avremmo bisogno, però stentiamo a concedercelo, perciò siamo diventati esperti nel posporre: oggi non possiamo, ma domani, forse, troveremo il tempo. La verità è che il domani non viene mai, è sempre oggi, e se non diamo oggi il nutrimento necessario alla nostra anima continuiamo a farla languire. Come si vede, il recupero creativo è un intenso processo globale che interessa l'intima potenzialità evolutiva dell'individuo, che deve confrontarsi con tutti i no, le ferite ed i condizionamenti; perciò è tanto prezioso.

Il recupero creativo

2011-07-20T06:50:00.005-07:00

Satvat - Odisseo torna a casa - olio su tela

Julia Cameron, autrice del libro “La Via dell'artista”, insegna da molti anni il “recupero creativo” agli artisti bloccati, i quali ritengo siano il 99 % della popolazione. Chiunque sia incapace di esprimersi artisticamente è effettivamente un artista bloccato, non importa se nasconde questo fatto - in particolare a se stesso - sotto una pesante coltre d'indifferenza. I bambini sono tutti artisticamente attivi, e si divertono un mondo; imparano a disegnare ben prima di imparare a scrivere, e questo dimostra come la capacità dell'espressione artistica sia una facoltà naturale e fondamentale. Tuttavia, con la censura dell'attività ludica ed immaginativa dell'emisfero celebrale destro, tale capacità viene presto castrata, e l'individuo è privato del più prezioso strumento per la coltivazione della propria anima.

L'intero campo animico viene man mano abbandonato, poiché si è spinti a guardare in direzioni ben più prosaiche, dove vige la competizione per l'illusoria esaltazione dell'ego, sotto la tirannia di un Sistema che ci impone come vivere e pensare. Così, come scrive Julia Cameron ,"siamo simili a un animale da circo, sbadato e indifferente, che, sotto i colpi di frusta del domatore, viene ammaestrato a eseguire i suoi esercizi, compie i suoi trucchi di routine, merita i suoi applausi, ma non sente le grida di entusiasmo, perché è diventato sordo. Siamo morti, insensibili al mondo, il nostro artista non è nemmeno “sfuocato”... è proprio andato via e la nostra vita è una sorta di esperienza extracorporea". Siamo portati altrove da noi stessi, divenendo dissociati ed incapaci di creare.

Non voglio dire che tutti dovrebbero seguire una qualche carriera artistica, è ovvio, ma mi sembra evidente che la completa rimozione delle facoltà artistiche causi un depauperamento energetico ed emotivo dell'individuo. Inoltre ciò procura un grave impoverimento all'intera atmosfera sociale, poiché gli artisti bloccati vanno essi stessi a contrastare le altrui espressioni di fermento creativo, dato che in loro le hanno represse. Sarebbe bello un mondo ricco di condivisione e di partecipazione creativa, in cui le ricchezze dell'Anima fossero manifestate, coadiuvate e giustamente apprezzate, tanto da poter fungere da stimoli per la crescita comune; ma non è così. Come nella favola di Esopo della volpe e l'uva, la mente comune disprezza l'arte e gli artisti, perché si è arenata, estromettendosi dal flusso creativo. Eppure si può vedere che i periodi più attivi e ricchi artisticamente hanno favorito le grandi evoluzioni sociali, in virtù del fatto che solo la liberazione dell'anima creativa può formare il nuovo.

Il bagliore della Nuova Era

2011-07-17T07:15:00.000-07:00

Satvat - L'Era dell'Acquario - scultura in bronzo

In ciascuno di noi, per quanto possa essere soffocata, brilla una scintilla di rinascita; è inevitabile, poiché è connessa al puro fatto di essere vivi. Tramite ciascuno di noi, la Vita vive espandendosi sempre, in modi misteriosi che spesso stentiamo a comprendere. La società è costretta nelle spire di una crisi senza precedenti, che tocca le basi stesse dell'idea dell'identità umana, e del progetto titanico di esistenza che abbiamo imbastito con la logica del profitto. L'Anima ci chiama ad una ricapitolazione essenziale, a tornare a casa nel nostro cuore per scoprirci capaci di creare il nuovo, in un modo radicalmente diverso dal passato. Il controllo che sinora abbiamo esercitato non può trovare soluzioni e ci sta strangolando; dobbiamo pulire il marciume, in noi stessi e nella costruzione sociale, aprendoci gli uni agli altri e insieme al mistero del nuovo, che potremo contribuire a creare solo con un'appassionata disposizione all'empatia e al rispetto della Natura e della Vita. La creatività ha un nuovo valore che può permetterci di verificarci e di evolverci, prendendo confidenza ed imparando ad esercitare i poteri dell'Anima che possono guarire noi e il nostro mondo. Dovremmo rifiutare la logica dell'impossibilità, che ci schiaccia con la frustrazione e la paura, e confidare che il meglio sia possibile, che il futuro non è un compito troppo arduo da sostenere ma la crescita naturale di un presente in cui ci mostriamo capaci di responsabilità e di verità.

OM SHANTI OM

Messaggio all'individuo creativo

2011-07-16T04:15:00.000-07:00

Mi sono imbattuto in questa riflessione di Mirò, che trovo estremamente significativa per quanto oggi sente ogni artista ed ogni essere umano che abbia ancora fiducia in se stesso e nella propria facoltà creativa.

Le forme che l'individuo inserito nella società esprime devono svelare il moto di un'anima protesa ad evadere dalla realtà presente, oggi particolarmente ignobile, poi devono approssimarsi a realtà nuove, e infine devono offrire ad altri uomini un'opportunità di elevazione. Per scoprire un mondo abitabile, quale marciume occorre spazzare via! Se non ci impegnamo a scoprire l'essenza religiosa, il senso magico delle cose, non faremo che aggiungere nuove fonti di abbrutimento a quelle, già immani, offerte oggi ai popoli.

Joan Mirò

"A mio parere, il più straordinario giocoliere della Pittura Moderna è stato Mirò; le sue invenzioni paradossali, ed assolutamente non-estetiche, sono sorrette unicamente dall’innocente spontaneità. In ciò è stato forse aiutato dall’ironia ludica dell’animo spagnolo, condivisa anche da Picasso, pur se possiamo constatare come il loro istrionico conterraneo Dalì ci si sia strangolato, per eccessiva considerazione di sé. Le grafie nere di Mirò, grossolane, spropositate e sbavate, in virtù della loro giocosità si avvicinano alla non-mente che anima le calligrafie dello Sho. La giocoleria funambolesca dei suoi colori sospesi sull’assurdo, ha un candore fanciullesco; inoltre il “marchio” della stella-asterisco, ricorrente nei suoi dipinti, annuncia la straordinaria fiducia che ha consentito alla sua opera di fluire con il “perfettamente-imperfetto”. E’ anche significativo che la sua pittura presenti spesso espliciti riferimenti sessuali, con moltiplicazioni oniriche di falli, vulve e seni, giacché il sesso è il sommo gioco del Divino nell’umano, possibilità sia profana che sacrale della riunificazione degli opposti."

Tratto dal libro di Satvat IL TAO DELLA PITTURA - Bastogi Editore, 2009

ART&VITA su Facebook

2011-07-05T07:49:00.000-07:00

Ho avviato su Facebook il nuovo gruppo ART&VITA dedicato alla meditazione nell'arte. E' un gruppo aperto per cui chiunque lo desideri è invitato a condividere le sue intuizioni e i suoi lavori. Credo che in questo momento sia prioritario condividere dal cuore, mentre la falsità che ci opprime vorrebbe illuderci con pernicioso egocentrismo e con la sostanziale mancanza di speranza. Invece ci siamo, vitali e creativi, capaci di immaginare e quindi di creare un mondo nuovo, capaci di condividere. In questo periodo di pericolosa oscurità, l'arte ha la facoltà di mostrare le fiaccole accese della vita interiore; l'unione delle tante fiamme può procurare molta luce, disfando l'illusione tenebrosa e ingannevole. Ed è questo ciò che attendono le nostre anime, ma non possiamo aspettarci che ci giunga dall'esterno: è in noi stessi il potere di renderlo possibile esercitandolo come forza creativa e collettiva.

L'arte è un modo splendido per scoprire ed evocare questa forza, in modo che possiamo giovarci di ispirazioni positive; lasciamo a chi intende sguazzare nel fango la negatività di questa pseudo-cultura morente che vuole imporsi mostrandosi dominante. Noi sappiamo come stanno davvero le cose, ce lo dicono il nostro cuore appassionato, la nostra naturale aspirazione alla bellezza, il nostro talento naturale, la nostra innocenza capace di giocare e di esultare. Artisti di arte e di vita, si attende il nostro capolavoro.

Appunti sull'educazione artistica 1

2011-07-04T11:00:00.000-07:00

Pollock intento al dripping

L'educazione artistica potenzialmente fornisce gli strumenti e le accortezze per entrare in rispondenza con la sfera interiore, dialogando al contempo con le virtualità creative che pervadono l'intera Esistenza; in questo senso è investita di profondi significati che sono energetici, filosofici, psicologici, e infine culturali. Vorrei condividere, con questi miei appunti, alcune intuizioni che delineano un quadro complessivo di come l'educazione artistica - in particolare con il disegno e la pittura - potrebbe coadiuvare, nelle diverse fasi, lo sviluppo dell'individuo, qualora si fosse in grado di cogliere la sinergia profonda di tale sviluppo sotto il profilo animico.

L'essere umano, sin dalla nascita, affronta innumerevoli cambiamenti nel corpo e nella psiche, seguendo l'impulso più o meno cosciente a maturarsi. A mio parere, un appropriato orientamento dell'educazione artistica potrebbe rendere più consapevole tale esigenza di maturazione; altrimenti ci si accontenta di vivere in modo casuale, stentando a comprendere se stessi e senza potersi avvalere di un mezzo prezioso com'è quello della creatività artistica: un nostro talento naturale che viene abbondantemente trascurato. Vedremo che queste riflessioni troveranno spontaneamente dei nessi con quello che è stato lo sviluppo delle forme dell'Arte, il cui senso animico mi sembra ben poco compreso.

Cominciamo dalla tenera età. Per i bambini in età pre-scolare è prevalente un'attitudine puramente ludica; sarebbe quindi indicato l'utilizzo dei più vari materiali, anche inusuali e sorprendenti. Nello stadio infantile, l'anima, avendo la necessità primaria di sperimentarsi sul piano fisico, trova le giuste sollecitazioni applicandosi ad una vasta gamma di materiali tingenti, soprattutto se può stabilire con questi delle relazioni intensamente corporee, dato che ha la necessità di radicarsi. Si dovrebbe quindi incentivare l'approccio tattile (in questa fase quasi più importante di quello visivo), introducendo delle sollecitazioni rivolte a tutti i sensi: le materie coloranti potrebbero essere anche profumate, persino di sapori diversi e commestibili. In questa fase la creazione segnica ha un'importanza relativa alla capacità di creare delle relazioni con lo spazio: il bambino disegna essenzialmente in modo casuale e caotico, ma con il significato di segnare il proprio spazio con impulso spontaneo ed emozionale; il colore ha un'importanza fondamentalmente immatura, ma è utile per fornire delle sollecitazioni secondarie che si svilupperanno man mano, facendo acquisire al bambino un patrimonio d'esperienza istintiva che sarà utilizzato nelle fasi successive. Sarebbe opportuno indirizzare parte della pratica pittorica ad una esplorazione liberamente gestuale, magari con l'intervento di musica e danza. Il dripping utilizzato da Pollock può essere quindi un gioco entusiasmante, gettando su ampi fogli stesi in terra degli spruzzi di colore molto diluito, utilizzando dei cucchiai per miscelare e per colare le tinte. (segue)

Arte e innocenza

2011-06-30T05:56:00.000-07:00

Satvat - Estasi di Luna - acrilico su tela, 2011

Come hanno dimostrato i grandi autori dell'Arte Moderna (ma anche gli antichi pittori orientali), la formazione principale che l'artista ha da svolgere non è quella di una maggior strutturazione tecnica o stilistica, bensì un processo atto a disimparare. L'essere umano viene alla vita con l'impulso innato a creare artisticamente; ogni bambino lo sperimenta con facoltà e modalità che sono sorprendenti per l'adulto. La creatività infantile è un flusso spontaneo e fantasioso, ed è il punto di partenza fecondo per ogni autentica e più matura realizzazione artistica. Però tale flusso viene arginato con l'educazione che impone dei modelli da seguire, e in ogni caso è offuscato dalla costruzione della personalità, in cui inevitabilmente si perde l'innocenza.

Da adulti il miracolo spontaneamente creativo può essere riscoperto, ma solo a fronte di un impegno responsabile a disfare i condizionamenti che occludono la sorgente interiore. Invece spesso anche l'educazione artistica è di tipo scolastico, cioè volta a sedimentare sempre più memorie cognitive e tecniche. Si tende a un traguardo, a un'idea di perfezione che è al di fuori dell'esperienza interiore ed innocente dell'individuo-artista. Così si può raggiungere al massimo un'espressione ben rifinita, ma animicamente inerte. La conoscenza è un inganno abbagliante, che decora a perfezione la facciata esteriore per mascherare la povertà di contenuto. Ma solo il contenuto, l'esperienza interiore, è la virtù dell'artista; e l'abilità tecnica è un problema solo per chi non sa affidarsi al grande potere dell'Artista Interiore.

Picasso diceva che da bambino disegnava come Raffaello, e che gli ci era voluta tutta la vita per imparare a disegnare come un bambino, ossia per riconnettersi all'innocenza primeva. Intendiamoci, non voglio dire che le espressioni dell'Arte debbano rimanere grezze e infantili, in questo i vari artisti primitivisti si sbagliano. Chi resta fermo al segno immaturo e al colore sporco rinuncia alla bellezza e al coronamento dell'alchimia artistica. In verità la povertà d'espressione è tutt'altro dall'innocenza creativa; in Arte si deve però rifiutare il costruito (dato dall'impostazione scolastica) ritrovando il fluire genuino della sorgente interiore. Ripristinando questa connessione essenziale, le forme artistiche vanno a maturarsi spontaneamente, mentre l'artista procede meditativamente in non-sapere.

Da ciò si comprende che la didattica dell'Arte, più che fornire dei modelli e delle competenze tecniche, dovrebbe soprattutto aiutare l'individuo/artista in un processo di destrutturazione e di consapevolezza di sé verso la riconquista dell'innocenza, guidando al contempo nella libera esplorazione dei poteri dell'Anima. Perché è proprio l'Anima il motore e il fine dell'Arte.

Con i miei quadri a Ferrara

2011-06-30T05:50:00.000-07:00

Un libro per l'anima

2011-06-24T08:16:00.000-07:00

Mi è appena giunto il mio nuovo libro Manuale di scrittura creativa - Xenia Edizioni, 2011, che sarà nelle librerie dal 6 luglio 2011. E' questo un momento sempre magico: quella che è stata per lungo tempo un'intensa opera di scrittura, in cui si sono travasate mille e mille esperienze sia personali che di condivisione con gli altri (in questo caso durante i workshop di scrittura), ha raggiunto la sua veste tipografica e definitiva. Effettivamente è una nuova nascita, che seguirà il suo destino viaggiando a raggera nelle librerie e quindi nelle mani dei lettori. Un destino carico d'ispirazione e di possibilità creative che ogni lettore realizzerà a suo modo, secondo la natura squisitamente unica del suo sentire. Un miracolo, del tutto simile a quello che ne ha concepito la scrittura nel mio cuore e quindi sulla carta.

Più ancora che dalle mie esperienze, quella scrittura è derivata dalla saggezza del Tutto, per questo ha un senso universale e può parlare a ciascuno in modo empatico. In ogni libro ispirato il lettore trova ciò che rispecchia la sua anima, e quindi una preziosa possibilità di autoriconoscimento e di lavoro creativo atto a maturare le sue potenzialità latenti. Questo libro sulla scrittura creativa è innanzitutto un libro sull'esperienza meditativa della vita, poiché in mancanza di questa risulta impossibile scrivere alcunché di significativo. Si vive intensamente e con profondità, solo in virtù di questo si può raccontare nelle varie forme della scrittura. E volgendosi all'arte della scrittura, apprendendone le virtù sottili e le magie, si può realizzare l'intima potenzialità di vivere ispirati.

Per questo consiglierei questo libro veramente a tutti, non solo a coloro che si sentono attratti dalla scrittura, o che intendono essere scrittori. Infatti gli argomenti trattati non sono affatto quelli della sintassi o della costruzione periodica: è l'intima propulsione della Vita l'argomento principe, tutto il resto sono quisquilie. E dalla mia esperienza posso dire che è proprio dall'entrare in risonanza con questo che l'anima matura, divenendo l'autrice consapevole che può imprimere l'ispirazione sul foglio, o intangibilmente sulle linee del destino.

Per informazioni e iscrizioni sui nuovi corsi di scrittura creativa cliccare sul link: satvat/corsi

2011-06-16T13:38:00.001-07:00

Leggi il mio nuovo post "Creatività artistica e formazione" su arte-vitainteriore.blogspot.com.

The Tree of Life

2011-06-16T05:54:00.000-07:00

The Tree of Life (L'Albero della Vita), il nuovo film scritto e diretto da Terrence Malick, è un'opera straordinaria, che ho trovato perfettamente in sintonia con il mio sentire. Credo questo splendido film non sia di facile comprensione per chi vi si accosti razionalmente, ma è fluidamente accolto dall'intuizione, che empaticamente risuona con il suo carattere visionario e vivamente simbolico. In tal modo ogni immagine, ogni inquadratura, ogni momento del racconto, ed ogni dialogo, risultano intimamente motivati, coerenti e ricchi d'ispirazione. I

l film parla chiaramente della nostra vita, dei nostri conflitti causati dalla perdita dell'innocenza - che è simbolizzata dal figlio minore. L'uomo - come mostra nel film soprattutto la figura paterna - si è perso a causa del suo dramma del controllo, della sua ansia d'essere amato che viene riversata nel fare, nel volersi dimostrare efficiente e potente. In realtà è proprio tale attitudine erronea che sancisce l'effettiva impotenza dell'uomo, perché in tal modo egli si aliena dall'amore e dallo stupore innocente dell'attimo. Il femminile è invece colto nel suo aspetto intrinsecamente amorevole e creativo, capace di danzare e di essere vulnerabile: così è sincero e rispondente alle emozioni, tanto luminose che terribili. Il suo essere è naturalmente magico, poiché resta connesso al flusso misterioso della Vita. La donna è madre in un senso ben più che biologico, ed è la saggia iniziatrice ad un mondo nuovo; l'attuale mondo corrotto e bloccato nella crisi irrisolvibile deve rientrare nel suo grembo per potersi rigenerare, in un modo che necessariamente sarà radicalmente nuovo, discontinuo dal passato.

Il messaggio di The Tree of Life è effettivamente l'annuncio della drammatica fine di un ciclo, del ciclo che stiamo esaurendo con le disillusioni dei nostri sogni onnipotenti e con gli effetti catastrofici dei nostri peccati. Ci si chiede incessantemente: in questo lutto – che è causato soprattutto dalla perdita dell'innocenza - dov'è la speranza? Ci si mostrano carrellate visionarie di galassie implodenti, vulcani eruttivi, maree terrificanti, tutte le forze scatenate degli elementi che ci urlano la nostra insolubile impotenza. Dinosauri moribondi, e condannati all'estinzione dall'impatto del meteorite, ci ammoniscono che anche noi siamo ad un punto di non ritorno, riverberando anche la profezia che grava sul 2012. Nel mio romanzo L'Arcobaleno del 2012 ho parlato essenzialmente di questo, e nella stessa chiave, dicendo che siamo sì ad una fine, ma anche all'inizio di una nuova speranza che ci riconduce alla nostra anima perduta, rappresentata dal risorgente potere femminile.

Giungendo sino al germe primario della Vita, il film mostra le danze di amebe e di meduse, di cellule germinanti, di forme elementari prive di ogni arbitrio volontario, e per questo – come dice il Tao – invincibili. Infine: ama e stupisciti, perché soltanto questo ha senso; ritorna qui-e-ora e celebra il flusso misterioso della Vita in irrefrenabile espansione. Solo così la vita può essere degna d'essere vissuta, solo così possiamo rincontrare noi stessi e condividere creativamente con gli altri la bellezza dell'esistere.

Risonanza

2011-06-14T10:16:00.000-07:00

Tu che guardi un quadro, fermati un attimo: è un'occasione di stupore. Emozione preziosa d'indefinibile risonanza, che coglie l'anima e l'espande, facendola aprire come un fiore. Quello stesso stupore che ha travolto il pittore, muovendo le sue mani alla danza, può trasmettersi a te riscattando la distanza, la distanza dal puro Essere. Dimentica di osservare le perizie del disegno, di cercare un significato prosaico, di valutare e catalogare; semplicemente apri gli occhi dell'anima e disponiti all'ascolto, non tentare di afferrare qualcosa.

Gli occhi dell'anima sono come orecchie, grembi di passività creativa dove la musica intrinseca della pittura trova spazio e l'occasione di una profonda eco. Un'eco pulsante, dove risorgono, appena nate, le armonie dei colori e, ancor di più, il sorriso universale che gioisce del Creativo.

L'arte del colore

2011-06-10T09:48:00.000-07:00

Satvat - Le stazioni del cuore - acrilico su tela

Il colore è materia misteriosa, che evoca assonanze radicanti sin dentro l'anima; soprattutto il colore dell'Arte, perché viene meditato e reso vivo dall'artista. In questo caso non resta tintura superficiale, poiché è suscitato e fluito dall'interiorità, come linfa d'emozioni tingenti. Così parla, il colore, con il suo alfabeto universale che l'anima comprende d'istinto, intrecciando tinte come parole che si compongono dando senso ed armonia.

Ogni tinta ha in verità mille parole differenti, ma quando viene messa appropriatamente a dimora - nel campo seminativo del quadro - ha la certezza di non sbagliarsi, e pronuncia la parola esatta, che scandisce e manifesta il sortilegio della pittura.

Ed anche ha grande significato come il colore viene steso, la sua maggiore o minore diluizione, l'andamento della sua onda, la sua magrezza oppure la pingue rilucenza. Non si può davvero governare pienamente il colore, dato che ha le sue intime ragioni, ed echi e spruzzi mirabolanti di un tuffo in profondità nell'anima.

Se dato fluido e trasparente, il colore ha vaghezza, ha il trasporto di una nuvola dell'immaginazione, divenendo dissolvente delle fissità del pensiero. Ma ancor di più apprezzo i miei colori smaltati col nerbo pulsante dell'intuizione, perché hanno un vigore che rompe gli argini dell'incertezza, e raggi diretti, saturi di potere. E' pur vero che un tale corpo deve pulsare internamente per la scintilla irrefrenabile della vita, altrimenti sarebbe freddo come un cadavere; per cui devo impastare il colore con verità e meditazione, a questo non posso e non voglio sottrarmi. Ed ogni volta accade il miracolo di una nascita nuova, che ha corpo e anima e per questo può agire, superando le seduzioni impotenti del mero racconto.

Buddha surrealista

2011-06-03T04:02:00.000-07:00

Satvat - Buddha surrealista - acrilico su tela, 2011

In questo dipinto ho utilizzato varie citazioni di De Chirico, Dalì, Magritte e Chagall, per delineare un quadro fortemente simbolico. Sulla parete a destra, sotto un diagramma inconcludente, sta appeso un guanto che è simbolo della sostanziale impotenza del fare; il Buddha ha rifiutato l'idea del fare, per cui esibisce la grande mano di Fatima della benedizione spirituale. L'orologio soffice di Dalì mostra che il tempo non è più vincolante. In terra giace abbandonata una dechirichiana testa di manichino, e il volto – simbolo dell'io - del Buddha è occupato dalla mela d'oro delle Esperidi. Sulla sinistra c'è l'imponente palazzo dell'io, con le tre arcate che rappresentano il corpo, la mente e l'anima; sulla facciata si apre l'occhio vigile della ricerca, e due oblò da cui fuoriescono i raggi di un sole che sovrasta l'edificio penetrandolo anche internamente. In terra c'è un orecchio da cui esce un arcobaleno, e una piramide sormontata da una sfera (antico simbolo del samadhi). Nel cielo scendono delle gocce fecondanti (con una codina che richiama quella degli spermatozoi), mentre un pesce (elemento primigenio) ha messo le ali e giunge a mettere una chiave in una serratura sospesa a mezz'aria.

ART&VITA

2011-06-01T08:56:00.000-07:00

Mentre procedono (lentamente) i lavori di costruzione della mia nuova officina d'arte ART&VITA, ho iniziato anche a mettere le basi del suo nuovo sito. Si può già curiosare su:

arte-vitainteriore.blogspot.com

Per ora è solo un abbozzo preparatorio dell'affresco pulsante d'arte e di vita che si svilupperà dalle attività di questa nuova officina d'arte, che intende anche accogliere condivisioni e collaborazioni con molti amici interessati al mio lavoro e con altri artisti che hanno fondato la loro esperienza creativa su un'autentica esplorazione interiore.

Credo che in questo momento sia quanto mai importante promuovere nuove possibilità di condivisione, per alimentare la formazione di una massa critica di consapevolezza che possa sanare la pericolosa spinta verso la negatività e la disgregazione. Scoprendoci creativi e condividendo i nostri tesori nascosti, potremo favorire quel nuovo Rinascimento che è oggi drammaticamente atteso sia dalla nostra anima che dall'intima ragione del Tutto.

Dalì, Picasso e Mirò in mostra a Firenze

2011-05-31T05:04:00.000-07:00

Questa mostra di Palazzo Strozzi a Firenze si sviluppa intorno a un'idea originale e interessante, che conduce il visitatore a ritroso nel tempo. Partendo dalla maturità artistica di Picasso, Mirò e Dalì, si è indotti a tornare all'indietro sulle loro orme - segnate da opere squisite e poco mostrate - per ritrovare le sorgenze dei loro impulsi creativi. L'espediente del percorso inverso è particolarmente efficace, poiché ci coinvolge in un senso di memoria, che in qualche modo possiamo sentire intimamente; e in effetti il percorso di un artista non risulta mai strettamente individualizzato ed estraneo, ma testimonia evoluzioni dell'Anima che hanno segnato il tempo, e che ineffabilmente appartengono, al di là del tempo, ai processi evolutivi di ogni anima.

A mio avviso, riflettendo su questa mostra si può gustare la grazia di quella freschezza sorgiva della creatività che procede con massimo entusiasmo e gusto della scoperta, la quale permane sino a che non sono stabiliti dei punti d'arrivo, contraddistinti da una supponenza di maturazione. L'artista che sente d'essere giunto ad un culmine d'espressione tende spesso a omologarsi sui raggiungimenti del proprio lavoro, divenendo ripetitivamente troppo simile a se stesso. Non si perde più in vagabondaggi estatici, perdendo l'innocenza. Ma il vero artista costantemente impara e dimentica, lasciandosi indefinitamente sorprendere dalle fioriture estemporanee dell'Interiore.

EDUCARTE - Corso di arteterapia

2011-05-27T13:43:00.000-07:00

Prende il via il nuovo progetto di EDUCARTE del centro Mandala di Orvieto, nel cui ambito terrò una intensa giornata di arteterapia dedicata alla pratica della pittura e del disegno.

INFORMAZIONI E ISCRIZIONI SU

http://www.robertoausilio.it/educarte-2011

Si può vedere anche sul mio nuovo blog:
arte-vitainteriore.blogspot.com

Chiaramente potete contattarmi per ogni chiarimento e qualsiasi altra eventualità.

Melting summer

2011-05-27T11:39:00.000-07:00

Satvat - Risveglio di una notte di mezza estate - acrilico su tela, 2011

Questo è uno dei quadri che ho dipinto per la mia prossima mostra a Ferrara, Melting Summer. Ho elaborato un affresco delle possibili suggestioni di una notte d'estate, intesa come spazio atto alle rivelazioni dell'anima, quindi come occasione di un possibile risveglio. ci sono molte cose, dal buddha a Eros e Psiche, sino a un piccolo crop circle.

MELTING SUMMER

CHIOSTRO di SAN PAOLO

PIAZZETTA SCHIATTI - FERRARA

8 - 13 GIUGNO 2011

Sarò presente i giorni 11, 12, 13 GIUGNO

L'artista come Rishi

2011-05-08T10:05:00.000-07:00

"L'artista come rishi" è il tema di una interessante mostra attualmente in corso a Roma, in tre spazi espositivi di particolare rilevanza: il Museo Nazionale d'Arte Orientale, la Sala 1, e Bibliothé. Il rishi era il veggente dell'antica India dei Veda, la cui apertura al sacro trasmetteva puramente nel mondo il potere evocativo e formativo dello Spirituale.

A mio parere, ogni vero artista è ineffabilmente un rishi, nel senso che accoglie una visione ben più espansa di quella comune; è interiormente pervaso dalle correnti impersonali dell'ispirazione e della creazione, e questo lo tiene nel qui e ora, libero testimone del fluire della Vita. Per questo è in grado di creare il nuovo, con l'innocenza del non-sapere che si affida totalmente alla saggezza dell'accadere.

Credo che il tema di questa mostra sia fondamentale nella comprensione dell'autentico senso dell'Arte e dell'essere artista. Riflessione oggi quanto mai opportuna, in presenza della profonda crisi che sta investendo l'uomo contemporaneo, facendo sembrare vera la decadenza d'ogni senso. Con il crollo delle ideologie, della religiosità canonica e di ogni tradizionalismo, sembra che l'essere umano risieda in un deserto meccanicistico – deserto perché privo di anima – lui stesso ridotto a macchina atta a produrre e consumare. In tale vacuità manifesta del senso sociale, l'uomo si paralizza nel terrore, divenendo facile preda degli sciacalli. Ma il vuoto, che vediamo facilmente come minaccia, è potenzialmente colmo di Vita e di facoltà di creazione: a ben vedere da tale vuoto emerge il senso più maturo dell'individualità, insieme ad ogni veritiera realizzazione; ma per comprenderlo bisogna rinunciare ad ogni illusoria stampella.

L'artista, per poter creare, deve trovarsi consapevolmente nel vuoto, che è - ancor più radicalmente - vuoto di sé; in tal modo riceve l'Ispirazione. Come diceva Gaudì, l'uomo non può creare ma è la Vita a farlo. Perciò l'artista, come rishi, può lasciarsi attraversare dal flusso e comunicare lo splendore che è occulto nella Vita stessa, traducendolo con afflato poetico. Così può essere esemplare di una freschezza, di un moto spontaneo dell'essere, che resta radicato nel mistero della trascendenza.

Le opere esposte nella mostra L'artista come rishi hanno ovviamente segni ed esiti diversi, ma ognuna di esse esprime la meditazione di un artista che si è interrogato intimamente, cercando nell'anima un ponte che collega al sacro. Ciò è quello che dovrebbe fare ogni artista. Trovo in questo una perfetta assonanza con la spinta interiore che da sempre motiva il mio lavoro, e una particolare sincronicità con la nuova mostra che sto preparando: 10000 Buddha – Officina di Risveglio.

L'ARTISTA COME RISHI

dal 5 maggio al 7 giugno 2011

Palazzo Brancaccio - MNAO

Via Merulana, 248 Roma

Sala 1 - Complesso monumentale della Scala Santa

Piazza S. Giovanni, 10 Roma

Bibliothé Contemporary Art

Via Celsa 4-5 Roma

Vitamine spirituali

2011-05-04T11:12:00.000-07:00

Satvat - Vitamine spirituali - acrilico su tela, 2011

L'arte ha valore in quanto esperienza dell'interiorità animica, in senso alchemicamente spirituale. Secondo il Dalai Lama, ad esempio, "il valore dell'arte è nel fare in modo che le persone, le quali altrimenti guardano fuori, si volgano all'interno". Nella propria interiorità l'essere umano si confronta con il mistero che lui è e che tutto è. Al di là della densa coltre dei pensieri superficiali, assolutamente insignificanti, si incontra il regno fluttuante delle emozioni, in cui fermentano pulsioni di ogni genere, sia grevi che elevate. L'arte contemporanea ha peccato nel non voler fare distinzioni, dando valore all'emozione in quanto tale; ossia si è pensato che qualsiasi emozione può travasarsi in arte, senza innescare alcun processo alchemico di sublimazione. Lo capisco, l'intenzione è stata quella di superare i blocchi del precetto di valore, che indubbiamente è relativo e fuorviante; tuttavia, come possiamo vedere, la cura del dogmatismo estetico e morale è stata, alla fine, quasi peggio della malattia, in quanto ha favorito un'arte violentemente reattiva, mentale e immatura.

Se tutto va bene, se tutto è arte, si annulla effettivamente il vero valore dell'arte, che si verifica solo quando l'artista si approfondisce meditativamente nell'Ispirazione. Ci si dovrebbe volgere all'arte per trasmettere e ricevere delle vitamine spirituali, delle ispirazioni elevate che difficilmente, come ha intuito Kandinsky, possiamo incontrare altrove. Invece la rabbia, la frustrazione, l'arroganza, e tutte le altre emozioni negative che oggi infestano l'arte, tutto questo s'incontra dappertutto. No, non tutto è arte, e nemmeno è vero quello che diceva Joseph Beyus, che ogni uomo è artista. Certo, potenzialmente ogni uomo può essere artista, ma purtroppo pochi hanno il coraggio di esserlo, temprando il cuore, raffinando l'intuizione, dedicandosi anima e corpo a un percorso arduo, che toglie da se stessi. È vero, come ha detto il Dalai Lama, che "non può esserci un mondo pacifico senza avere una mente pacificata"; nello stesso modo, senza pacificare meditativamente i conflitti della personalità non può esserci un'arte autentica, ricca di vitamine spirituali.

Un raggio di Sole

2011-05-02T14:16:00.000-07:00

Stamattina ho incontrato una signora che è mia cliente, e cordialmente ci siamo messi a parlare del più e del meno. Ad un certo punto, con un bel sorriso, mi dice: Ma lo sa che i suoi lavori, che mi danno così tanta pace e gioia, mi hanno recentemente aiutato in un momento difficile della mia vita? Invece di rivolgersi al neurologo o allo psicologo, come le aveva consigliato il suo dottore, ha deciso di seguire la propria intuizione, che l'ha spinta ad effettuare delle sessioni di intensa contemplazione di alcune mie opere in suo possesso. E, me lo ha comunicato con semplice e viva gratitudine, la cosa ha funzionato.

Una confidenza come questa è il miglior compenso per tutto l'impegno, la meditazione e le difficoltà del lavoro nell'arte, nel senso che dà un'onda di ritorno alla grande energia profusa; così si crea un cerchio, che è un abbraccio in cui ci si ristora. La soddisfazione che ho provato non ha nulla di personalistico, dato che non creo dal mio ego: so bene che è l'Arte, la Vita, che crea il miracolo artistico. Tuttavia quando si risveglia una simile pura rispondenza la gioia è naturalmente condivisa. L'artista ha vissuto la magia dell'ispirazione e l'ha posta in opera, trovando qualcuno che ha saputo assaporare appieno quella stessa magia: così è straordinario quanto naturale.

Molte volte ho vissuto con i miei clienti delle situazioni simili a questa, e lasciatemi dire che trovo che sarebbe strano il contrario, data la devozione di quando creo; infatti, se l'artista scompare nella creatività, allora è il divino che agisce, per cui i miracoli possono tranquillamente verificarsi. Già per l'artista è un miracolo, e può esserlo per molte altre persone; questa è la vera magia dell'Arte, spesso dimenticata. Però è anche vero che situazioni simili a questa si sono fatte piuttosto rare negli ultimi tempi, perciò sono ancora più preziose. Oggi le persone si sono fatte più chiuse, piene di paura e cinismo. Ma ecco: si schiude un fiore di gratitudine (sia nella signora in questione che in me) e nella giornata grigia sembra splendere il Sole.

La morte sorridente

2011-05-01T02:26:00.000-07:00

Satvat - La morte sorridente - acrilico su tela, 2011

La morte che sorride è quella che non esiste. Nonostante le nostre visioni limitate e le nostre interpretazioni, la vita non giunge mai ad uno stop irrevocabile, ma è intimamente nutrita d'irrefrenabile trasformazione, su livelli più o meno densi. Ogni fine è un nuovo inizio, una superiore rigenerazione.

La coscienza buddhica ride dell'idea della morte, perché è essa stessa l'ineffabile testimonianza del fluire metamorfico della vita; da tale alta consapevolezza può osservare con imperturbabilità e saggezza tanto l'apparente annichilimento discendente che la nuova sorgenza dell'energia vitale. Per evidenziare questo, ho ripreso fedelmente nel quadro le antiche raffigurazioni alchemiche della nigredo (il corvo) e della sublimazione (la colomba). Ho dipinto la testa di questo Buddha come un teschio, riferendomi al fatto che in Oriente il Maestro è visto anche come morte, dato che il suo insegnamento è volto a cessare l'illusione dell'ego che separa la coscienza dell'uomo dalla beatifica immersione nel Tutto. Tale lezione – puntualizzata dal particolare mudra della mano destra – è per il discepolo un intenso processo alchemico di solve e coagula che infine sboccia nella pura radianza spirituale. Per mostrare questo processo ho utilizzato i simboli della sacra Trimurti induista (tartaruga, teschio, loto).

Per le misteriose sincronicità dell'arte e della vita, dopo che ho iniziato questo dipinto la malattia di mio padre si è repentinamente aggravata. Al capezzale della sua dipartita dal corpo, insieme al mio dolore di figlio, ho testimoniato l'immenso mistero della vita e della morte, il dramma insieme all'estasi della liberazione dai vincoli della forma. Dopo, quando ho ripreso i pennelli per ultimare questo quadro, l'ho fatto con la più grande commozione; dedico questo dipinto a mio padre, e a quanto mi ha insegnato sia con la sua vita che con la sua morte. È il mio modo di augurargli buon viaggio e una splendente vita nuova.

La magia delle tablas de estambre

2011-04-29T09:00:00.000-07:00

José Benìtez Sànchez - El nierika de Tatusi, 1980

Le "tablas de estambre" sono un importante esempio di arte spirituale tradizionale. Prodotti nell'ambito dello sciamanesimo huichol del Messico, hanno una particolarissima tecnica di costruzione: lo sciamano/artista cosparge una tavola di legno con una cera speciale detta campeche e procede ad tracciare su questa le linee essenziali che rappresentano la sua visione; poi utilizza dei fili variopinti (spesso di lana) che vengono impressi sulla cera, e con questi forma il corpo delle varie figure. Il risultato di questo processo è una sorta di arazzo non tessuto, straordinario per forza espressiva ed evocativa.

Possiamo riflettere sul significato simbolico ed energetico di questa peculiare operazione creativa: a differenza di un dipinto (in cui i colori sono organicamente intrinsechi all'opera), nella tabla de estambre i fili policromi restano virtualmente liberi, anche se sono figuralmente fissati sulla cera di campeche; potremmo dire che l'intento della visione sciamanica evoca un kosmos potente, che tuttavia non rinuncia alla consapevolezza trascendente del non-formato. Una simile comprensione è quella che porta alla distruzione finale dei mandàla o dei disegni di sabbia dei Nativi Americani. I disegni simbolici delle tablas de estambre non sono mai semplicemente decorativi, ma derivano dall'esperienza interiore della nierika (visione spirituale) che è connessa con la cerimonia sacra del peyote; sono viaggi dell'anima dello sciamano, che incontra figure mitiche e spirituali, molte delle quali appartengono al bestiario totemico.

Vorrei cogliere l'occasione per rendere omaggio a José Benìtez Sàncez Viandante Silenzioso, il grande maestro di quest'arte – recentemente scomparso – che ha rinnovato i canoni delle tablas de estambre e le ha fatte conoscere anche fuori dai confini tradizionali, con importanti mostre negli Stati Uniti e in Europa. Credo che in questo momento, in cui l'Arte ha l'irrinunciabile necessità di ritrovare le proprie radici spirituali, sia quanto mai interessante la meditazione su forme artistiche straordinarie ed esoteriche, quali le tablas de estambre, la pittura del dreaming degli aborigeni australiani, e il grande complesso dell'Arte Orientale.

José Benìtez Sànchez - Il Viandante Silenzioso, 2000

2011-04-23T13:42:00.000-07:00

L'uovo cosmico

Se i cristiani festeggiano con la Pasqua la resurrezione di Cristo, l'avvento della Primavera sancisce universalmente il ciclo cosmico della rinascita. L'uovo pasquale è chiara rappresentazione dell'uovo cosmico, che segna il passaggio ad un nuovo ordine creativo. L'uovo cosmico, che contiene il germe della vita nuova, si schiude e rende manifesto un nuovo miracolo esistenziale. Nello stesso modo, rompiamo l'uovo pasquale trovandovi la sorpresa, che simbolicamente è dono che emerge dal mistero dell'essere. In senso spirituale, l'essere umano è come l'uovo, perché contiene un principio di vita perennemente nuovo, che emerge ineffabilmente dal qui e ora; questo è celato dalla dura crosta dell'ego.

Il mio augurio per la Pasqua è che ognuno possa rompere l'uovo dell'abitudine, della paura, dell'indifferenza, del cinismo e della sfiducia, scoprendo nell'interiorità la fonte eterna dell'amore, della creatività e della gioia. Tale fonte sana e rigenera, svelando che il nostro senso del limite era illusorio e che la sostanza è in verità dolce come il cioccolato. Ecco, quando rompiamo l'uovo pasquale proviamo a pensare a questo, a sentirlo in noi e a trovare il modo di condividerlo con chi abbiamo vicino.

TANTI AUGURI DI BUONA PASQUA

Non tradizionalismo ma semplice buonsenso

2011-04-21T11:19:00.000-07:00

Satvat - Buddha/Rebis - acrilico su tela, 2011

Sono conscio del fatto che, almeno per quanto riguarda l'Arte, potrei apparire tradizionalista. Nel senso che apprezzo le opere vere, create dall'artista con appassionato e sincero impegno, mentre ritengo irrisorio e noioso il pastume concettuale, ad esempio le sgangherate istallazioni che vanno tanto di moda. Credo infatti nell'artigianalità artistica che, tramite il gesto manuale, imprime nell'opera la viva ispirazione e l'energia che ha attraversato l'autore. Il processo dell'Arte è fortemente alchemico, ed è proprio mediante la partecipazione intuitiva dell'artista, nelle varie operazioni dell'opera, che può instaurarsi il processo evolutivo dell'idea. In tal modo l'autore si approfondisce nel mistero della creazione, testimoniando ed applicando un'ispirazione che man mano si rende meno personalistica e più universale.

Solo questo può trasmettersi efficacemente allo spettatore e all'amante dell'Arte: una rilucenza spirituale che l'artista ha coltivato nel sacrario dell'interiorità quanto nell'imposizione del gesto che va a trasformare la materia. Il "concetto artistico", come arbitrio mentale, resta impotente e sterile, ben poca cosa rispetto al grande potere che il profondo mistero dell'ispirazione instilla nel cuore dell'artista. Egli si adopera a tradurlo in opera, verificandolo e sublimando i propri sentimenti privati nel crogiolo dell'alchimia operativa dell'Arte. La grande differenza è tra un'arte mentale e caricata artificiosamente, in cui l'autore riversa i propri limiti, e un'arte, la vera Arte, che invece scaturisce dal cuore e richiede all'artista di superare se stesso. Questo superamento di stato, come sa ogni vero artista, può avvenire unicamente con totalità e meditazione, maturando l'impulso creativo nell'operare sensitivamente con le materie. Trasformandole, seguendo la saggezza ancestrale dell'intuizione, l'artista assapora il "piacere dei saggi" e dispiega le ali dell'anima.

È quel volo dell'anima, di cui si accende la vera opera d'arte, che si trasmette empaticamente allo spettatore. Tutto il resto è solo un triste inganno, un incantesimo mentale e sofferente che infesta abbondantemente l'arte attuale, che è sociopatica nel senso che può solo reiterare le ombre disperate della mente di massa. La vera rivoluzione dell'Arte consiste nel ritrovare le sue radici profonde e sempre attive.

Deineka e Crepax

2011-04-15T14:33:00.000-07:00

Aleksandr Deineka - La difesa di Pietrogrado, 1928

Prima di vedere la sua mostra attuale al Palazzo delle Esposizioni di Roma, non conoscevo la pittura di Aleksandr Deineka, maestro del realismo sovietico, ma conosco bene Guido Crepax - il creatore della mitica Valentina - e la sua pregevole opera nel fumetto italiano. Mi direte: che c'entra? Tuttavia c'è effettivamente una similitudine straordinaria. Il disegno di Crepax ricalca piuttosto fedelmente certi stilemi di Deineka, almeno della sua pittura degli anni '20 e '30. Non parlo certo di plagio bensì di un'affinità elettiva, anche del segno, che ha fatto rinascere nelle ambientazioni intellettuali degli anni '70 italiani ciò che Deineka aveva artisticamente tradotto dalle celebrazioni rivoluzionarie bolsceviche. Uno stile asciutto ma raffinato, sintetico quanto immaginativo; anche il taglio quasi cinematografico appare simile. Basta vedere alcuni quadri di Deineka come Prima della discesa in miniera (1925), o Stato maggiore dei bianchi; interrogatorio (1933), o Disoccupate a Berlino (1932) il quale, più di tutti, potrebbe essere confuso con le suggestive inchiostrature di Crepax.

Il disegnatore italiano ha raccolto con passione quell'eredità espressiva fecondata dall'idealismo di sinistra; son certo che l'ha intensamente studiata sino a farla propria, e in tal modo ha creato qualcosa di nuovo, più moderno e radicalmente diverso. Nel radicalismo salottiero di Crepax l'enfasi populista non ha trovato spazio, e la similitudine ha divagato su sentieri intimamente diversi; infatti Crepax si è avventurato in prospettive oniriche e psicologicamente esoteriche, che il materialismo storico della cultura sovietica ha totalmente ignorato. Il fumetto crepaxiano ha sognato eversivamente ben oltre il realismo, cambiando le visioni figurali ed anche politiche, con quell'immaginazione al potere rivendicata dal movimento del '68.

Disegno di Guido Crepax

Anche nell'esibizione centrale del corpo. Per il realismo sovietico la corporeità è pura celebrazione fisica, matericamente naturale, che sottintende una mente sana in senso più semplificativo che nell'antica concezione greca, decisamente non individualistica; Deineka ha osannato tale osservanza con schiere di ginnasti nudi e spensierati, mostrando un erotismo campestre ed affatto problematico. Crepax ha invece rivelato la vertigine psicologicamente erotica vissuta dal corpo, con le avventure conturbanti e quasi surrealiste delle sue eroine di carta; egli ha avuto il coraggio di scoperchiare il vaso di Pandora dell'anima, affrontando l'incertezza della mente individuale, la sua sfida ad elaborare la "visita interiora terrae" del processo d'individuazione.

ALEKSANDR DEINEKA

Il maestro sovietico della modernità

PALAZZO delle ESPOSIZIONI - ROMA

19 Febbraio - 1 Maggio 2011

Riflessioni in giallo

2011-04-10T07:08:00.000-07:00

La nostra epoca, così confusa al livello artistico, sforna una quantità enorme di opere ispirate al crimine. Nella letteratura, così come nel Cinema e nelle produzioni televisive, ciò non è mai accaduto prima, nell'intera storia dell'umanità, e sta assumendo proporzioni sempre più preoccupanti. Ad esempio, basta entrare in qualsiasi libreria per vedere che il pingue settore dei thriller, posto bene in evidenza, è molto frequentato. Il crimine vende bene. I romanzi polizieschi, insieme ad altre forme letterarie leggere, si diffondono all'inizio del Novecento, con l'avvento della lettura di massa. La letteratura continuava a stimolare intellettualmente il lettore raffinato, ma accontentava anche il vasto pubblico con libri di carattere più popolare. Molto diversi dai thriller attuali, i libri cosiddetti gialli sfidavano il lettore a risolvere l'enigma poliziesco, ed erano generalmente ingegnosi e scritti bene, senza indulgere nell'orrore. Roba da scolarette rispetto alle celebrazioni orripilanti dei thriller moderni, conditi all'inverosimile con sangue, sesso e turpiloquio; quelle attuali sono storie scritte male e tirate per i capelli, giusto per sguazzare senza ritegno nello splatter. Eppure piace molto.

I dignitosi gialli di una volta erano comunque un settore marginale e senza pretese nel grande corpo letterario, ed era chiaro che la letteratura vera, quella che fa parlare l'anima, era tutt'altra cosa. Invece il crimine è diventato un fattore saliente della nostra cultura (sic!), e nessuno si chiede perché, né se sia sano o almeno tollerabile. Ad una prima analisi, si può dire che non ci si vuole impegnare intellettualmente ma si cerca sostanzialmente l'evasione; così si guarda annoiati il Grande Fratello e anche ci si crogiola nei racconti di crimini efferati. Inoltre il thriller specchia la cocente reattività dell'io, oggi come non mai sottoposto a pressioni, contraddizioni e dolorose frammentazioni. Se queste motivazioni sono comprensibili con il semplice buon senso, c'è però anche una ragione più profonda, che necessita di una visione esoterica.

In senso metafisico, il ventre dell'essere umano presenta i centri sottili della vita (sessualità, piacere, espansione) e della morte (contrazione, non-essere); questi centri polari sono molto ravvicinati. Accade che l'intensa pulsazione del centro dell'eros vada a stimolare la pulsione del centro mortifero, da cui la paura ancestrale che associa il sesso alla morte. Nello stesso modo, la stimolazione del centro negativo si trasmette perifericamente a quello vitale, da cui deriva una sorta d'attrazione erotica per ciò che spaventa. In una certa misura ciò è spontaneo e innocente, però si può decadere in forme patologiche. Ciò comporta che le emozioni negative, provocate da visioni o letture conturbanti, giungano a titillare inconsapevolmente dall'esterno la pulsione del piacere sessuale, ovviamente in modo distorto ed insano; questo origina all'estremo le perversioni sadiche o masochiste. Ma effettivamente è quello che succede quando ci immergiamo in narrazioni fortemente tenebrose senza capacità di discernimento e di consapevolezza: si attiva il centro mortifero che provoca pericolose contrazioni, le quali vanno a stimolare di riflesso il centro sessuale, in modo subdolamente masturbatorio.

Lasciandosi attrarre perniciosamente nel negativo, questo fraintendimento energetico può danneggiare seriamente la nostra reale connettività vitale, distorcendo sia la gioiosità sessuale che la visione naturale della vita. La nostra cultura, precipitata nell'edonismo negativo, ha sicuramente la colpa della diseducazione del gusto quanto dell'inquinamento percettivo; ma pure ogni individuo è responsabile in prima persona di ciò che sceglie d'introiettare, e quindi dell'atmosfera pestilenziale che anche in tal modo grava oggi sull'essere umano. Meditate, gente!

Tamara de Lempicka - bella senz'anima

2011-04-06T08:22:00.000-07:00

Tamara de Lempicka - Rafaela su fondo verde (il sogno), 1927

Tamara de Lempicka è tra gli artisti più saccheggiati dai "falsi d'autore"; non solo perché il suo modellato e le sue campiture di buona scuola sono tutto sommato agevoli da imitare. In questo inizio del Terzo Millennio la sua pittura piace molto, perché rispecchia quella carenza d'anima, coperta dal luccichio del glamour, che oggi va per la maggiore. Non a caso molti personaggi dello Star System si sono ispirati ai suoi modelli, uno fra tutti Madonna.

La pittura di Tamara de Lempicka è popolata da figure che troneggiano sulle tele in pose enfaticamente teatrali, con un allure aristocratico sottolineato spesso con sciarpe svolazzanti. I ritratti maschili mostrano l'arroganza del loro ruolo, mentre le tante figure femminili sono prese dalle raffinatezze della moda e, pur se nude, risultano ricoperte da un impenetrabile splendore d'acciaio. Queste sono dee dell'immagine, di un apparire sensuale dove manca l'afrore della carne e del sentimento, gonfiate con languidezza di mestiere che intende sedurre senza mai concedersi.

E' stata brava Tamara de Lempicka, con i pennelli come con la sua vita sregolatamente snob e rampante, a creare un incantesimo sfolgorante ma ben poco autentico. Ha dipinto, ha amato e ha peccato, ma senza l'incertezza magica che apre l'anima al mistero; in ogni caso l'ha fatto con ostentazione orgogliosa, restando inchiodata al mito vacuo da lei stessa creato. Anche nei ritratti sensuali della sua amante Rafaela, ha saputo comunicare solo un brivido a fior di pelle.

I quadri nella prima sala della mostra del Vittoriano, quelli realizzati nella povertà giovanile che ha preceduto il successo, sono più veri e innocenti, anche se non ancora maturi. C'è in questa mostra un solo quadro che mi ha davvero colpito, intitolato Ritratto di Ira P. (la sua tristezza), 1923. Ira Perrot, la sua amante di una vita, viene ritratta con umanità sensibile e ricca di partecipazione.

Per sfuggire al calvario della Storia che innalzò la croce uncinata del nazismo, ma anche per seguire la spinta propulsiva della modernità, l'artista si trasferì in America. Nel Nuovo Mondo del progresso e dei grattacieli, Tamara de Lempicka fu un'ottima promotrice di se stessa e cavalcò l'onda della più spregiudicata mondanità. Però nell'America degli anni '40, mentre la nuova pittura americana sperimentava il potere eversivo dell'anima, la trasgressività leziosa della pittrice non fu più apprezzata. Lei riparò in Europa, allora artisticamente tarda rispetto alla rivoluzione espressiva americana, per godersi gli scampoli del proprio successo. Poi, sul viale del tramonto, tentò un classicismo ispirato a Vermeer, Caravaggio e Botticelli, con risultati, a mio parere, mediocri, poiché sostenuti da vuoto mestiere.

La mostra romana al Vittoriano offre un interessante ed esauriente panorama del lavoro di questa "regina del moderno", che era stato sinora poco esposto, almeno in Italia. Ed è per noi l'occasione di meditare sulla Storia dell'Arte e sul suo irrinunciabile patrimonio d'Anima.

Satvat su Marc Chagall

2011-03-19T15:53:00.000-07:00


Marc Chagall - Il pittore e la sua modella, 1949

Per leggere il mio nuovo articolo su Marc Chagall clicca sul link qui sotto

satvat-pensierocreativo.blogspot.com

Chagall delle Meraviglie è in mostra a Roma al Museo dell'Ara Pacis

Fratelli d'Italia?

2011-03-17T08:47:00.000-07:00

Confesso di non avere un grande feeling patriottico, perché non credo nei confini nazionali, nelle forze armate, nelle dogane, né in ogni steccato che impedisce agli esseri umani di condividere con spontaneità e naturalezza. Ciò nonostante amo questo Paese ricco di bellezza, e questa gente che una volta, ben più di adesso, sapeva aprire il cuore e celebrare la vita. Un Paese dolce come le colline toscane, accogliente come il golfo di Napoli, svettante come le Dolomiti, saporito come la cucina siciliana, ricco d'ebbrezza corposa come il vino nobile, sognante come le nebbie veneziane. Un Paese sorprendente, creativo, ridanciano, fastoso più delle possibilità contingenti per la sua grandezza di sentimento.

Mi si stringe il cuore a vedere quanti, soprattutto di quelli che sono stati eletti a prendersene cura, lo oltraggiano senza ritegno oltre ogni limite. E mi chiedo per quanto ancora potremo sopportare l'inganno, l'arroganza, la vergogna, la mancanza di speranza. Vorrei che nell'odierna festività riflettessimo un pò su questo, prendendo con noi stessi un appassionato impegno a volere e creare verità, bellezza, giustizia, condivisione, ricchezza reale, tutela della risorse che a noi tutti appartengono. Non una celebrazione di rito, polvere negli occhi della massa, ma un impegno personale e fermo affinché si generino impulsi nuovi e amorevoli; perché il collettivo è effettivamente un'interazione di intenti individuali profondamente sentiti. Non lasciamo il potere agli sciacalli, riprendiamolo nelle nostre mani riscoprendoci forti e capaci di decidere... ad esempio dicendo NO alla scellerata scelta del nucleare, intesa ad arricchire i potenti minacciando gravemente l'intera collettività.

In questo sito ci occupiamo di Arte, perciò vorrei sottolineare l'enorme importanza che ebbero gli artisti nella creazione dell'unità d'Italia. Furono i poeti e i pittori e gli artisti in genere a concepirne il sogno, prima ancora che fosse raccolto dalla Politica; diedero il loro cuore e la loro appassionata creatività, molti anche la loro vita, per la sua realizzazione. Potremmo vedere che le cose maturano e si realizzano dopo che si sono sognate, non tiepidamente ma con un sogno lucido, intriso di potere; non è la volontà della mente che le forma, ciò può essere solo tirannia. Si tratta pittosto di condividere un sentire, di assaporarlo e di vivificarlo in ogni modo, rendendolo risonante e condivisibile; allora può balzare di cuore in cuore originando un'onda inarrestabile. Questo è il senso dell'Arte, che si sprigiona da un bagliore dell'anima potendo appiccare la fiamma a mille altre anime.

E' un peccato che gli artisti, in larga misura, abbiano rinunciato a sognare, fermandosi a trastullarsi con le loro proiezioni e i loro limiti. Un tale sentimento immaturo resta egoico e spinosamente mentale, incapace di spandersi con le correnti interiori della vita. Kandinsky, insieme a tanti altri validi artisti, aveva sognato il potere rigenerativo dell'Arte che avrebbe salvato l'uomo e la sua epoca, ma quella visione profetica venne travolta dall'incedere tragico della guerra. Eppure io credo sia insopprimibile, poiché ha le sue profonde ragioni nell'uomo e nella storia. Per concepire creativamente ciò che oggi vogliamo essere e come vogliamo vivere, dobbiamo riprendere a coltivare quel sogno che può rivelarci a noi stessi sorgendo come forza benefica del cambiamento.

Le meglio mostre... secondo me

2011-03-14T11:19:00.000-07:00

A malincuore ho potuto scrivere della mostra di Pablo Echaurren solo adesso, quando si è ormai conclusa. Per gli stessi pressanti motivi ho mancato di parlare della interessante mostra di Co.Br.A e l'Italia, che si è svolta alla Galleria Nazionale d'Arte Moderna.

Da adesso intendo scrivere in modo più puntuale sulle mostre che ritengo interessanti, invitando gli amici di questo blog ad intervenire per favorire uno scambio di impressioni e di intuizioni.

Ho anche inserito, in fondo a questa pagina sulla sinistra, uno specchietto con il calendario delle mostre che a mio parere sono maggiormente significative, in quanto esprimono la forza spirituale dell'arte. In ciò non ho la pretesa di alcun giudizio critico, ma semplicemente il piacere di condividere liberamente delle intuizioni, che riflettono la capacità visionaria dell'Artista Interiore; per questo ho scelto un titolo scanzonato. Ogni commento e ogni segnalazione sulle mostre presenti e future sono bene accolti.

Crhomo Sapiens - il tramonto del pop

2011-03-13T17:27:00.000-07:00

Pablo Echaurren - Crhomo sapiens

Chromo sapiens, la mostra di Pablo Echaurren alla Fondazione Roma Museo, è un contenitore di diversi temi e linguaggi artistici, quasi una rassegna di ciò che l'artista ha elaborato nel corso della sua carriera. Però, a mio parere, l'impianto complessivo dell'esposizione ha un significato specifico e importante, forse superiore alle intenzioni dello stesso autore: una meditazione sulla sostanza del Tempo, che realizza, non senza sconvolgimento, la sua definitiva illusorietà.

La prima sala, dedicata a Roma, è la chiave di volta di tutta la mostra: nelle tele l'artista si è sforzato di celebrare il fasto storico, politico e metropolitano della Capitale, ma le icone che egli ha elaborato risultano quasi caricaturali, irrisorie, così come le eccessive colature e schizzature del colore, che tendono a svilire le suggestioni pittoriche, non a dinamizzarle. Credo che di questo Pablo Echaurren non sia stato affatto ignaro, tanto che ha posto al centro della sala un umbilicum urbis che è un mosaico in bianco e nero raffigurante dei teschi; un'eco di vanitas, come a sbugiardare il grande e potente teatro della forma. La morte vanifica il tempo, insieme ad ogni progetto e ad ogni illusione, annichilendo persino la volontà imperitura del mito; questo mostra la scultura della lupa capitolina sotto la quale troviamo due teschi, invece degli ancestrali progenitori.

Roma trionfalmente decadente è però anche metafora del declino dell'Impero orgoglioso della modernità. Ma c'è un risvolto esoterico: non vi è semplicemente il manifestarsi di una dissoluzione bensì il richiamo ad un solve apocalittico. Mi sono accorto che da tutta la mostra (e soprattutto dalle opere recenti) promana la furia divorante del mitico Serpente Piumato dei Maya, i quali avevano profetizzato, proprio nell'epoca attuale, la fine del Ciclo cosmico. Vi è nei dipinti, e ancor più nelle "glottesche" ceramiche di Faenza, un brulichio di incastri divoratori, di ritorcimenti uroborici che rigettano l'energia alla matrice essenziale, di copulazioni frenetiche senza speranza di generazione. Pablo Echaurren pare sentire visceralmente il dramma attuale di una fine senza promessa di risurrezione, perché tutto ciò che siamo stati finora e tutto ciò che abbiamo orgogliosamente costruito non contengono ormai alcuna realtà possibile, alcuna premessa di sviluppo.

Paradossalmente l'artista comunica questo con l'evidente contraddizione del linguaggio del pop; infatti, proprio perché il pop è strettamente legato all'episodicità del tempo e alla globalizzazione massmediatica, è per sua natura inadeguato a un'indagine nel mistero dell'Anima. Ed è sempre più chiaro che, al punto in cui siamo, solo tornando all'autenticità spirituale dell'Essere potremo partecipare alla creazione di un Nuovo originale e rigenerativo; in altre parole dobbiamo spogliarci dell'abito illusorio del tempo e riconoscere la nostra eternità essenziale, e da ciò essere liberi di intuire e di fluire. Non a caso il vero genio della mostra (come dice il titolo) è il colore, potenza primigenia dell'Anima che il pittore, al di là delle stanche sguaiatezze di genere, declina con saggezza intuitiva.

Come abbiamo detto, possiamo vedere in questa mostra il tramonto definitivo del pop, trasceso virtualmente dallo stesso artista con il suo lavoro ceramico e scultoreo, che mostra senza ironia inattesi richiami classici. Tuttavia il maggior fascino dell'esposizione è proprio nel moltiplicarsi delle contraddizioni, dei riflessi incongruenti e delle teatralità impotenti, perché Echaurren ci scuote ma non ci seduce a credere nella verità univoca del suo incantesimo; perciò infine dobbiamo interrogarci con spietatezza, e stabilire noi stessi ciò che è vero. Una piccola scultura presente nella mostra ci ammonisce a questa introspezione: uno scheletro genuflesso porge uno specchio ed esibisce un rutilante cuore costituito da un opale di fuoco, come a dire che solo spogliandoci di noi stessi - dell'ego - possiamo rifletterci nella nostra più autentica natura e connetterci alla saggezza del cuore; vorrei aggiungere per inciso che l'opale di fuoco è proprio la pietra della saggezza e proviene dal Messico, la terra dei Maya.

Sulla situazione dell'Arte Contemporanea

2011-02-28T13:07:00.000-08:00

Vorrei cercare di riflettere sulla situazione attuale dell'Arte, partendo da uno sguardo alla sua intima ragione. Voglio dire: da dove parte il senso e la necessità dell'Arte? Anche se è brutto dirlo, qual'è oggi la sua funzione? La risposta più accreditata, anche dai critici, è che l'Arte si occupa principalmente di comunicare, di trasmettere emozioni, senza una necessaria distinzione di qualità. E' un medium che crea tendenza, eventi mediatici e sponsorizzazioni.

Tale equivoco fondamentale, che inquina abbondantemente la nostra cultura, è giunto alla ribalta con la pop-art. Prima d'allora si era parlato di bellezza esemplare o, in senso più moderno, di emozioni viscerali e sovversivamente visionarie; in ogni caso si ricercava un'affermazione di verità profonda, tanto nel senso normativo che in quello rivoluzionario. Invece con la pop-art si è incoronato senza riguardo l'atto stesso di comunicare: da l'art pour l'art si è passati alla comunicazione per la comunicazione; in ciò si è attivato il più glamour e sofisticato apparato scenico, manovrato a piacimento dai detentori del carisma mediatico. Ha così sempre più perso importanza il senso qualitativo di ciò che viene comunicato, dando affatto attenzione a ciò che può elevare o al contrario appesantire l'animo umano.

Se l'impegno dell'Arte, almeno sino agli anni 60, era stato filosoficamente quello di contrastare la forza di gravità, seducendo l'anima alla grazia ed anche all'azzardo dell'altitudine, l'Arte Contemporanea si è gettata noncurante nel baratro. Poiché si ritiene che l'importante sia comunicare con successo, non conta che cosa né come, esprimiamo soprattutto la povertà d'anima che ci attanaglia, infiammandoci sempre più nell'edonismo negativo. Nuotando confusamente nelle emozioni, abbiamo smesso d'immergerci con la fiducia di trovare delle perle, e ci contentiamo di sguazzare superficialmente nella spazzatura, purché variopinta e in qualche modo sorprendente. Per questo oggi il mondo dell'Arte è fondamentalmente il mercato, il quale, più che dagli artisti, è formato dagli unti del gotha mediatico: da critici e galleristi famosi, soprattutto dai trafficanti. Nemmeno il pubblico è più importante, tanto la comunicazione si svolge ormai su canali diversi, non gestendo più idee creative bensì cifre d'investimento. E' infatti evidente il paradosso che l'Arte contemporanea non ha realmente un pubblico, sebbene venga battuta all'asta con importi vertiginosi: è artificiale e drogata come la finanza virtuale che oggi domina e strangola il mondo. Lo strano è che nessuno lo denunci, opponendosi a questo in modo creativo; i tanti validi artisti contemporanei sembrano rassegnati al limbo che viene loro imposto, mentre continuano stoicamente a sforzarsi d'emergere dal pantano.

Non posso dire che l'Arte abbia una funzione poiché, come la intendeva la vecchia scuola, la ritengo liberamente ispirata, un frutto maturo del sentire. Credo però che sia assolutamente necessario un tornare indietro, alla sua radice essenziale, per ritrovare meditativamente il nesso esistenziale e misterico che può permetterci d'evolvere, riscoprendoci naturalmente creativi. A questo do vita nel mio lavoro, di questo ho parlato estesamente nei miei libri, proprio questo insegno nei miei corsi; e credo che ogni occasione sia buona per stimolare una riflessione in proposito, anche con queste brevi note.

Per una migliore presentazione dell'Arte

2011-02-21T12:56:00.001-08:00

Nelle mostre di pittura è ormai di tendenza una nuova metodologia d'esposizione: l'ambiente viene immerso in un'oscurità che è lacerata da potenti spot puntati direttamente sulle opere. In tal modo i dipinti risaltano con una brillantezza quasi fosforescente che, pur se suggestiva al primo colpo d'occhio, ha dei risultati molto discutibili. Innanzitutto bisogna dire che tale eccessiva focalizzazione luminosa nuoce all'espressione cromatica del dipinto, falsandola e vetrificandola, e ciò ovviamente impedisce la fruizione della sua “risonanza interiore”.
Diverse delle opere che ho veduto esposte in questo modo deleterio, le avevo precedentemente godute in altre mostre, e ho così constatato l'evidente adulterazione delle immagini: i colori risultano acidificati, piattamente omologati e tonalmente forzati, e vi è un grave impoverimento della profondità. Inoltre viene sancita una drastica frattura tra l'osservatore e l'opera, nel senso che l'artificiosità del metodo espositivo annulla per lo spettatore ogni potenzialità d'intima e naturale riflessione; egli è spaesato dal doversi muovere nel buio da cui emergono prepotentemente i quadri: non vi è vicinanza, l'opera è assolutizzata e resa lontana come fosse un oggetto di venerazione.

Ma questo è il metodo in cui si presentano gli status symbol, non quello atto a presentare l'Arte! Come mostra la pubblicità, l'immagine di qualsiasi status symbol dettato dal mercato – che sia una macchina, un orologio, un abito griffato o un profumo – dev'essere necessariamente sofisticata, rutilante, messa sul più alto piedistallo come un idolo per la massa, perché non ha una sua realtà esistenziale da condividere, ma è sostanzialmente un'illusione che dev'essere spacciata con gli incantesimi atti a fomentare il desiderio. Un simile oggetto dev'essere celebrato rendendolo distante, sia perché la mente desidera soprattutto ciò che sembra inarrivabile, sia perché altrimenti rivelerebbe la propria effettiva pochezza.

Un'opera d'Arte ha invece un forte e vitale contenuto d'anima: è questa la sua ricchezza, che possiamo apprezzare e condividere stabilendo un'empatia con quanto l'artista ha saputo evocare, e l'empatia richiede verità, naturalezza e confidenza. Le condizioni migliori per esporre Arte sono certamente quelle che evidenziano naturalmente l'opera, e che mettono a suo agio l'osservatore, favorendo quel benefico rilassamento che induce all'apertura percettiva e all'espansione animica. Inoltre va considerato che l'anima apprezza particolarmente ciò che non è brutalmente definito, ma resta pervaso dal mistero; per questo i veri artisti hanno sempre prediletto ciò che è soffuso, perché in ciò l'anima trova suggestioni creative e multidimensionali. E la luce, spesso importante come rivelazione spirituale nell'Arte, deve trapelare dall'intimo dell'opera, non essere schiaffata dall'esterno.

Nell'esasperata esposizione luminosa dell'Arte si potrebbe anche ravvisare quell'antagonismo manicheo di luce e ombra che tanto appartiene alla povertà della nostra Cultura, sia religiosamente che politicamente. Credo che ormai sia evidente come tale assolutismo dualistico sia segno d'ipocrisia e d'incapacità di comprensione; infatti non abbiamo bisogno di un'Arte mitizzata, sofisticata e forzosamente classificata, bensì di un'Arte veritiera, fondata sulla genuina esperienza esistenziale che l'essere umano può fare di se stesso, delle proprie emozioni, e del Tutto.

Intervista sull'Arcobaleno del 2012

2011-02-18T11:06:00.000-08:00

Per ascoltare l'intervista che ho rilasciato a Diego Tinelli di Bookslife sul mio libro L'Arcobaleno del 2012, cliccare sul link

http://www.viddler.com/explore/bookslife/videos/1/

2011-02-12T14:18:00.000-08:00

Dopo aver visto alla Galleria Nazionale d'Arte Moderna (Roma) la bella mostra "CoBrA e l'Italia", vorrei dare delle impressioni a caldo sul lavoro di questo gruppo internazionale di artisti, che ho sempre apprezzato per il vigore libertario, esplosivo e originale. Insieme a ciò, vorrei proporre questo video su Alechinsky, uno degli artisti che ha fatto parte di CoBrA e che amo molto. Questo pittore e ceramista belga ha investigato anche nei tesori dell'antica pittura orientale e del Tao della pittura, traendone la fulgida sapienza del segno.

La materia dell'Arte è trattata con deflagrante Opera al Nero, liberando il colore interno, vivido e spremuto come sangue, come sangue indelebilmente e cromaticamente primigenio. Una ricerca acida d'innocenza, che crede nel gesto primitivo affrancato dal peso delle idee; una ricerca d'assoluto nella più drammatica esplosione di contraddizioni; una ricerca di purezza nella trascuratezza di ogni canone della purezza. In un certo senso quasi un'avventura taoista perfettamente/imperfetta ludica, rotonda, calligrafica, saggiamente ignorante.

La profezia del 2012

2011-02-08T06:29:00.000-08:00

Ieri la trasmissione televisiva Voyager ha parlato a lungo della profezia Maya - e non solo - che riguarda il 2012. Vorrei contribuire alla riflessione sul tema con un brano del mio ultimo romanzo L'Arcobaleno del 2012; si racconta di una straordinaria avventura creativa che è molto significativa. Volenti o nolenti, siamo tutti "taggati" su quel quadro, non nel 2012 ma già in ciò che si sta verificando al livello globale; il mio augurio è quello di riuscire a trovare la perla! Namasté pace pace pace.

"Preparò velocemente lo spazio della pittura, e tutto l’occorrente. Mise un CD di Vivaldi, poi, senza cambiarsi gli abiti, pur sapendo che li avrebbe irrimediabilmente imbrattati, iniziò ad impastare i colori. Si accorse subito che l’atto creativo aveva una qualità diversa, mai sperimentata prima. L’artista procedeva d’impulso, senza farsi alcuna domanda, senza quasi guardare a ciò che stava facendo. Era come se eseguisse un dettato pittorico, distolto dal significato e pienamente attento all’impeccabilità del tratto. Così egli scivolò in un totale coinvolgimento, che smisurava nel suo petto una sensazione d’inebriante potere, alimentata dagli odori della pittura e dalle rapide movenze dei pennelli. Lavorò per ore, mentre il giorno si consumava a sua insaputa. La notte lo trovò intento a dipingere, e lo accompagnò, silenziosa, a culminare l’impresa. Quando al quadro fu dato l’ultimo tocco, cominciava a filtrare il primo chiarore del mattino. Tommaso crollò sulla poltrona tenendo ancora il pennello in mano. Nel momento in cui il dipinto s’era distaccato da lui, poiché ultimato, gli era arrivata l’onda spossante della stanchezza. Ancora pervaso d’eccitazione, chiuse un attimo gli occhi, prima di contemplare l’effetto complessivo dell’opera.

Il dipinto era molto complesso e terribile: si vedeva un veliero, a cui però mancavano le vele, che lottava con un mare tempestoso, le acque scure e dense di minaccia. Ma il pericolo era anche più grave ed insidioso: la poppa del vascello si tramutava in un orrido mostro, che infieriva sulla nave con furia distruttiva. Era un’inconsapevole bestia che, accecata dall’oscurità dell’odio, divorava ogni cosa, accanendosi persino su se stessa. A bordo s’agitava un’Umanità folle e disperata, una tormenta di figure che lottavano le une con le altre: ognuno cercava di salvarsi, nocendo senza remore al prossimo. Molte persone si gettavano in acqua, tentando di sfuggire al terribile destino, ma erano inghiottite dai flutti. Proprio davanti alla prua, si spalancava un gorgo di mille colori impazziti, che ricordò a Tommaso il vortice colorato della sua visione. Il gorgo s’inabissava in profondità nel mare in burrasca, ma poi stranamente risaliva; s’incuneava in alto nel cielo, formando la colonna roteante di un tornado ascensionale. La sommità di questo, si coagulava in un globo luminoso, come un astro nascente che diffondeva nell’aria un benedicente pulviscolo policromo, che aveva i colori dell’arcobaleno.

Tommaso, sconcertato, contemplò a lungo il quadro, in silenzio. Mai prima, i suoi pennelli avevano pescato così a fondo nelle piaghe dolenti dell’anima. Gli sembrava d’udire il ruggito delle onde, le urla terrorizzate degli uomini, ed il crepitare scricchiolante del vascello sotto la duplice aggressione del mare e del mostro.

L’artista si versò un bicchiere di vino rosso - uno dei pochi lussi che ancora si permetteva - e poi, quasi con timore, tentò di comprendere il senso di ciò che aveva dipinto.Gli fu subito chiaro che si trattava di un’allegoria del difficoltoso momento che l’Umanità stava attraversando. Quel vascello di disperazione richiamava molto la “nave dei folli”, tema dipinto frequentemente nel medioevo europeo. Mostrava effettivamente la follia dell’uomo, ed era simbolico del tracollo della società contemporanea. L’imbarcazione era privata delle vele perché, a nessun livello della gerarchia sociale, ci si disponeva ad accogliere i venti creativi di una nuova ispirazione, che avrebbe potuto determinare un’innovativa forza propulsiva. Senza le vele, il veliero era sconfitto, ma un pericolo ancor più temibile e forsennato era costituito dal mostro in cui si trasformava la poppa della nave stessa. La terribile fiera era l’incarnazione malevola dei mille conflitti lasciati crescere senza controllo, senza alcun intervento consapevole e risolutivo. Era cresciuta a dismisura all’interno del corpo sociale, nell’ombra dei crimini dei Poteri costituiti quanto di quelli collettivi ed individuali, ergendosi a minacciare seriamente la sopravvivenza dell’essere umano. Minacce purtroppo già all’opera con denti ben affilati: guerre, crisi economica planetaria, disastro ambientale ed impoverimento delle risorse. Come mostrava il dipinto, in tale catastrofe globale gli esseri umani non si univano ad operare per il bene comune, senza comprendere che non avevano altre speranze. Divisi ideologicamente, e soprattutto da un egoismo rabbioso, si aggredivano l’un l’altro per tentare di scaricare le loro frustrazioni e le loro paure, aggiungendo odio su odio, dolore su dolore. Così si annichiliva ogni speranza. Quelli che, nel quadro, si gettavano in acqua, perivano a causa del loro terrore.

Se tutto ciò era facilmente interpretabile, più misterioso era il gorgo che si spalancava sotto la prua della nave. Il suo vivace cromatismo rivelava come non fosse semplicemente l’aprirsi d’un baratro infernale. Il colore porta messaggi vitali, perciò annunciava che quel Cariddi rappresentava ben più che un’inevitabile olocausto. Infatti, se prometteva di risucchiare la nave in profondità inesorabili, risbucava poi dal ribollire del mare ascendendo vertiginosamente nel cielo. Portando un dono d’inaspettata speranza: una luce d’arcobaleno."

Tratto dal libro L'Arcobaleno del 2012 di Satvat Sergio Della Puppa

10000 Buddha - Officina di Risveglio

2011-02-04T10:38:00.000-08:00

Mi sembrate splendidi: provate tutti i trucchi possibili,
vi nascondete, vi camuffate... ma tutto invano,
perché qualunque cosa facciate, non servirà a nulla:
siete dei Buddha e rimanete dei Buddha.
Osho

Ho dedicato questo ciclo della mia pittura ad un'esplorazione artistica e meditativa della “natura di Buddha”. Nell'operare su questo tema, il mio intendimento è stato affatto religioso o canonico; in effetti anche per il Buddhismo, nonostante il suo riferimento al Buddha storico Gautama Siddharta, il Buddha non è un Dio da adorare, assiso in qualche Regno Celeste, bensì è lo specchio di quella “natura di Buddha” che è in ogni essere umano, come presenza consapevole e liberata dalle schiavitù del corpo/mente. Possiamo averla dimenticata, identificandoci con le nostre reattività automatiche e con le proiezioni della mente, ma tale è la nostra più intima natura: la libertà e la pace sono il nostro diritto di nascita.

Per millenni l'Arte Orientale ha creato immagini del Buddha per rispecchiare all'uomo questa inalienabile ricchezza trascurata; ma in realtà la buddhità non ha a che fare con l'Oriente, né con una religione, né con una cultura. Buddha significa “il risvegliato”, intendendo che è un Buddha chi si desta dal sogno delle illusioni e contempla puramente la Verità essenziale, riconoscendosi come Essere universale, armonioso ed imperturbabile. Perciò, per come la vedo io, ogni Maestro di Verità, al di là di ogni collocazione dottrinale o geografica, è un Buddha, ma lo è anche ogni essere umano, pur se profondamente addormentato; basta che si svegli, e può vedere con ineffabile chiarezza d'essere sempre stato un Buddha, e che la sofferenza era il frutto di incomprensioni, desideri e attaccamenti.

Mi sembra che il sogno collettivo dell'Umanità non sia mai stato tanto oscuro e dolente com'è oggi, perché ci siamo ingannati nel materialismo sino a perdere ogni referente spirituale, e non intendo in senso fideistico e morale; è soprattutto la connessione profonda con noi stessi, con il nostro tesoro nascosto, che stiamo insultando. Per questo la crisi globale è tanto profonda e mancante di vie d'uscita, perché abbiamo smesso ogni contatto con la Sorgente da cui potrebbe nascere il nuovo, in modo creativo, amorevole, appassionato. Sento che la figura del Buddha, in senso universale, ci può riconvertire ad uno sguardo meditativo, ad una investigazione interiore che riveli ciò che essenzialmente siamo, ispirandoci, purificandoci, benedicendoci e trasmettendoci una vitale energia.

Credo che il compito dimenticato dell'Arte sia quello d'ispirare profondamente l'essere umano, fornendo un cibo sottile e difficile da trovare altrimenti. Questo hanno sempre sentito gli artisti e gli amanti dell'Arte, questo hanno proclamato con forza gli araldi dell'Arte Moderna. Poco importa che anche nell'Arte si sia persa la strada, celebrando l'artificio e la stessa negatività che impera ovunque; per ritrovare la via maestra basta un briciolo d'innocenza e di ispirazione, perché quella potenzialità straordinaria è sempre presente nel cuore dell'uomo. Così come il Buddha.

Dopo tanti anni dedicati all'astrattismo della Mu-painting, ho assecondato una precisa spinta interiore a creare delle icone della “natura di Buddha” (non specificamente buddhiste). A mio avviso, in un periodo tanto critico l'Arte dovrebbe cercare di dare delle suggestioni creative e meditative, favorendo intuizioni elevate e rasserenanti. Seguendo questa strada, ho trovato la figura del Buddha. Non l'ho ucciso come consiglia lo Zen, il Buddha, perché trovo che possa essere straordinariamente d'aiuto; tuttavia in un certo senso l'ho fatto, dandone un'espressione libera, non-canonica, esistenzialista, universale, ludica, vorrei dire innocente. Per questo i miei quadri dei 10000 Buddha recano segni di differenti Tradizioni spirituali, e di invenzioni intuitive, e di linguaggi che si intersecano a molti livelli portando stili diversi. Ogni comprensione, ogni espressione potenziale del risveglio, e ogni fermentazione ispirativa, sono intervenute a buon diritto in questa officina, portando sulle tele tanti richiami fantasiosi e metamorfici che sono comunque latori di uno stesso compassionevole messaggio.

Mappa del viaggio interiore

2011-02-03T12:59:00.000-08:00

Satvat - Mappa del viaggio interiore - acrilico su tela cm 40 x 60, 2011

La figura risalta sullo sfondo di un labirinto assomigliante a una serie di strade incrociate (che purtroppo nella foto appaiono sghimbesce); è indicata da frecce poste alle quattro direzioni., che convogliano su di lei l'attenzione. L'ho dipinta senza orecchie per simbolizzare che è totalmente assorta dall'ascolto interiore, da cui si dischiude sulla fronte la visione spirituale del terzo occhio. La figura indica il vero labirinto ( in una delle sue forme più arcaiche) che conduce al cuore spirituale.

Conosci te stesso

2011-01-29T03:32:00.000-08:00

Satvat - Conosci te stesso - acrilico su tela cm. 40x60, 2011

Conosci te stesso era il motto inciso sopra l'entrata dell'Oracolo di Delfi; è anche il messaggio di ogni Buddha, di ogni Maestro di Verità. Ma se si indaga a fondo, non c'è effettivamente una propria personalità che venga alfine riconosciuta: si scopre di non essere qualcuno, bensì di essere nessuno. Non nel senso che non vi sia presenza, al contrario vi è una presenza indicibilmente vasta che è l'Esistenza stessa. Questo libera, poiché affranca dai limiti, dalle proiezioni e dalle sofferenze dell'ego.

In questo dipinto ho posto il Buddha su un tappeto intrecciato dalle correnti del mutamento, in una posizione statuaria di meditazione. Il volto, in cui usualmente riponiamo la definizione dell'io, è assente, ma è visibile l'aura espansiva dell'energia, da cui osservano gli occhi del Buddha che pervadono l'intera Esistenza. Quello sguardo su tutto è da parte del Tutto, è il nostro stesso sguardo, il più limpido e profondo, in cui è compresa ogni cosa.

Bodhidharma/Diogene

2011-01-28T13:48:00.000-08:00

Satvat - Bodhidharma/Diogene - acrilico su tela cm 40x60, 2011

Bodhidharma portò in Cina l'insegnamento più esoterico del Buddha, quello dell'illuminazione diretta che è poi fiorito in seno allo Zen. Attendendo una persona sufficientemente matura per ricevere il messaggio, Bodhidharma rimase per anni in meditazione volto verso una parete di roccia. Similmente, Diogene cercava l'uomo degno d'essere chiamato tale, e per sottolineare il senso profondo della sua ricerca teneva la lanterna accesa anche di giorno; egli intendeva scovare nell'uomo la luce dell'anima, che è ciò che ci rende davvero umani.

In questo momento drammatico, offeso dalla più grave espropriazione dell'anima, le figure di Bodhidharma e di Diogene evidenziano la nostra responsabilità, che ci spetta essenzialmente, in quanto esseri umani, nel tenere acceso il lume interiore, nonostante l'oscurità che grava tutt'intorno.

Fioritura spirituale

2011-01-28T12:33:00.000-08:00

Satvat - Fioritura spirituale - acrilico su tela cm 40x60, 2011

Attingendo alla Sorgente dell'Uno

2011-01-26T04:05:00.000-08:00

Satvat - Attingendo alla Sorgente dell'Uno - acrilico su tela cm 40x60, 2011

Questa figura brilla di una luce vagamente androgina, e ha un solo seno da cui zampilla un fiotto di latte che colma una coppa verde, simbolo del Graal e del cuore. La veste di color rosso-magenta simbolizza la compassione. Dietro la testa si staglia la mezzaluna crescente, in modo da raffigurare le corna taurine che sono miticamente associate al Femminile e alla Madre Terra; il complesso simbolico di femminile/luna/terra/mucca/latte ha grande rilevanza in molte culture.

Ho inteso significare che il Buddha (la coscienza universale risvegliata) porge il seno amorevole della Verità Una, da cui possiamo attingere il nutrimento spirituale che ricolma il nostro cuore facendone un Graal della trasmutazione animica.

Il mistero del bastone-drago

2011-01-25T10:07:00.000-08:00

Satvat - Il mistero del bastone-drago - acrilico su tela cm 40x60, 2011

Con questo dipinto ho meditato una celebre frase del maestro Zen Unmon: "Questo bastone si è trasformato in un drago e ha inghiottito l'Universo!". Nello Zen il bastone del maestro rappresenta la spina dorsale che canalizza l'energia vitale, e la dimensione verticale/spirituale; con il colpo del bastone, il maestro provoca il discepolo al Risveglio. Quando Unmon dice che il suo bastone si trasforma in drago, vuol dire in qualcosa che è puramente misterico e inafferrabile. La non-mente Zen sorpassa sia il conosciuto che il conoscibile, affondando saggiamente nel mistero che "inghiotte l'Universo" con la pura testimonianza del qui-e-ora.

Nel dipinto mostro che è effettivamente la figura il fulcro della trasformazione in drago, come mostra l'accentuazione metamorfica del volto; il bastone diventa drago per simboleggiare la fermentazione misterica della consapevolezza. L'aureola è formata dall'enso, il cerchio Zen che rappresenta la Totalità di Essere e Non-Essere; dal suo centro parte un filo grafico che richiama la calligrafia orientale più "astratta", detta a "filo d'erba", significando che è dal centro inesplicabile del Tutto che si trae il più affascinante linguaggio creativo.

I colori della Luce

2011-01-19T14:06:00.000-08:00

Satvat - I colori della Luce - acrilico su tela cm 40x60, 2011

In questo quadro ho dipinto la figura del Buddha in bianco e nero, mentre l'aureola è un flusso di correnti vivacemente policrome; lo sfondo è dorato. Ho inteso significare che la figura del Buddha è assolutamente neutra, non identificata e non identificabile; tuttavia se la contempliamo può gettarci nelle braccia dell'aura colorata della Vita, dove veniamo cullati e rigenerati. Il colore è Vita, e il Buddha è consapevolezza; noi siamo entrambi. Questo è un mistero di gioa, la cui comprensione ci conduce a vedere che l'Esistenza, al di là di quelle che possono essere le nostre proiezioni, è oro puro.

Il Buddha che ride

2011-01-18T08:46:00.000-08:00


Satvat - Hotei, il Buddha che ride - acrilico su tela cm. 40x60, 2011

La figura del Buddha che ride nasce nell'antica Cina e ha avuto una grande popolarità in Giappone, dove è visto come Dio della Fortuna e della prosperità. Molto dipinto dallo Zen, Hotei (Budai) viene raffigurato grasso e grottesco, con un grande sacco da cui trae doni e dolciumi che condivide con chiunque. Questo Buddha non parla e non appare affatto circonfuso dal sobrio silenzio degli altri Buddha; il suo insegnamento consiste nella sua contagiosa risata a crepapelle, e nella sua prodiga distribuzione di doni. E' interessante notare che è stato ritenuto un'incarnazione del Buddha Maytreya, il Buddha del futuro. Ritengo che infatti Hotei ci riguardi direttamente, dato che può insegnarci la semplice celebrazione, la condivisione e il non prenderci sul serio, tutte cose preziose che abbiamo dimenticato.

In questo dipinto ho collocato la figura su un ricco sfondo verde, colore della prosperità e della naturalità. La sua veste spiraliforme esibisce il proverbiale pancione rotondo, come un Tutto che contiene ogni cosa. Dal grosso sacco aperto fluisce una fitta cascata di doni, simbolizzati con forme geometriche e variopinte.

2011-01-17T09:21:00.000-08:00


Satvat - Sereno invariabile - acrilico su tela cm 40x60, 2011

Incurante delle nuvole scure che attraversano il corso della vita, chi si centra nel cuore entra nella Via d'Arcobaleno, dove trova sempre uno squarcio di Cielo invariabilmente sereno. Con lo sguardo innocente della consapevolezza ci si accorge che la pentola d'oro, miticamente sepolta alla fine dell'arcobaleno, è sempre presente, al di là delle apparenze transitorie.

La chiave della saggezza

2011-01-15T06:31:00.000-08:00

Satvat - La chiave della saggezza - acrilico su tela cm. 40x60, 2011

Ho inteso dipingere un Buddha affatto iconografico e intimamente umano, conferendo una particolare espressione al volto. Così l'immagine conduce la visione all'interiore che non può essere espresso, ma che si rivela nel clima del quadro e che si puntualizza nel mudra disegnato dalle mani. Pur se umana, perciò ad ognuno corrispondente, in virtù della sua risonanza interiore la figura risulta come un faro capace d'illuminare il kosmos brulicante delle correnti del mutamento; la sua veste è più un tendaggio di luce che un abito coprente. Il mio intento è stato quello d'esprimere la nostra inalienabile consapevolezza, la "natura di Buddha", che può essere riconosciuta quando ci volgiamo all'interno, espandendoci liberamente nella non-dimensionalità spirituale. Questa è la chiave della saggezza.

Un artistico 2011!!!

2010-12-30T03:28:00.000-08:00

Satvat - Celebrazione! - acrilico su tela, finito ieri

Il mio augurio per il nuovo anno è che sia per tutti un anno artistico, ossia colmo d'ANIMA.
Che sia bello e prezioso come un'opera d'arte, come questa ricco d'ispirazione e di spunti di riflessione, e d'intime assonanze, e di poesia.
Che come un'opera d'arte sappia attrarre in lidi sconosciuti del "sentire", per benedire la percezione con il respiro sottile dell'Altrove: tanto a noi vicino da apparire distante con l'ineffabile eterica imprendibilità dell'arcobaleno.
Che sappia sorprendere, dando occasioni di stupore in cui l'anima sospesa possa assaporare la propria naturale eredità essenziale e mistica.
Che doni infiniti colori, tutte le gamme per arricchirci nelle emozioni.
Che prenda forme che siano scrigni di saggezza, in cui sperimentare creativamente nuove dimensioni del vivere.

UN ARTISTICO 2011 A TUTTI NOI

Un esercizio di arteterapia meditativa

2010-12-16T14:57:00.001-08:00

IL CONCERTO DELLE EMOZIONI

Per fare questo esercizio di arteterapia meditativa bisogna disporre una tela, un pannello da pittura, oppure un foglio di carta da acquerelli; in ogni caso la superficie da dipingere dev'essere sufficientemente grande, almeno di cm. 40 X 50. Il supporto della pittura dev'essere posizionato verticalmente, in modo da poter rispecchiare le attività energetiche che promanano dai chakra del pittore; nel caso di una tela o di un pannello basta il cavalletto, mentre se si sceglie la carta questa va anche fissata su un pannello di compensato. Ritengo che i colori più adatti per l'esercizio siano le tempere, ma si possono utilizzare anche acquerelli o acrilici. Ricapitolando, servono: un supporto su cui dipingere abbastanza ampio, da sistemare in assetto verticale; un cavalletto (in alternativa va bene anche appendere il supporto al muro); nel caso si usi la carta, un sostegno di compensato su cui fissare il foglio; colori; pennelli; un contenitore con l'acqua e delle vaschette per diluire i colori.

Prima di iniziare a dipingere, si deve scrivere su un taccuino una serie di almeno 12 emozioni; ad esempio: amore, rabbia, vergogna, compassione, allegria, serenità, tristezza, gelosia, piacere, soddisfazione, pena, malinconia. Avendo predisposto la postazione di lavoro, si prende la prima parola annotata e, esaminando il campo bianco del foglio, si stabilisce il punto che si sente più idoneo per rappresentarla con colori e pennelli. La rappresentazione dell'emozione può essere un semplice gioco di pennellate, eseguendo intuitivamente le tinte e i tratti, oppure può assumere una caratterizzazione più precisa (una forma geometrica, un simbolo, una figura); in ogni caso l'atto del dipingere dev'essere interiormente motivato, con totalità ed immedesimazione. Si opera con intensità e giocosità, senza alcuna ansia riguardo al risultato. Poi si procede nello stesso modo con l'emozione seguente: si decide dove collocarla e si va a svilupparla con la pittura. E così via per tutte le emozioni che si sono scritte. Nel corso dell'opera, il gioco del pennello può arrivare a lambire una pittura già eseguita, ma senza imbrattarla o coprirla anche solo parzialmente.

Alla fine il pittore avrà dipinto una geografia animica rispecchiante il flusso e le riflessioni delle diverse emozioni. Contemplando quel panorama, egli potrà esaminarne i diversi punti focali e il modo in cui questi risultano uno accanto all'altro; da ciò potrà trarre molteplici intuizioni. Con distaccata contemplazione, assorbirà osmoticamente i contenuti animici espressi istintivamente con il pennello e i colori.

Una fase ulteriore del lavoro consisterà nell'armonizzazione complessiva dell'opera, che apparirà slegata in episodi distinti; nel far questo, egli dovrà trascurare le parzialità delle diverse emozioni ed elaborare un quadro unitario, apportando in modo significativo le necessarie modifiche. In tal modo reintegrerà e svilupperà alchemicamente il tessuto animico già formato, tanto nella pittura che nella dimensione interiore.

2010-12-13T04:23:00.000-08:00

Su satvat-pensierocreativo il mio nuovo post su Odilon Redon.

Per leggerlo clicca sulla foto.

Ama e fa ciò che vuoi

2010-12-06T11:16:00.005-08:00

Satvat - Noi siamo il mondo - acrilico su tela, 2010

Da un paio di giorni mi ronza in testa una frase di S. Agostino: Ama e fai ciò che vuoi. Bellissimo! E liberatorio; se lo si comprende a fondo non c'è bisogno di nient'altro. Quando ci si arrovella tra il giusto e lo sbagliato, soffrendo dannosi sensi di colpa, è questo che va ricordato; il problema si crea perché ci si pone ad agire in modo personalistico, scegliendo, e la scelta non solo è illusoria ma è la madre del conflitto. Se si sceglie non si potrà essere totali, resterà un dubbio, un'intima contraddizione spinosa. Invece ama, e amando ciò che da te fluirà come desiderio non sarà affatto egotico, bensì un frutto fragrante dell'amore.

L'amore diviene così la sorgente dell'agire, e rispetto al flusso libero che ne scaturisce si deve evitare di mettersi in mezzo, per cercare di controllarlo in qualche modo: si viene travolti, l'io spazzato via dall'energia vivente, e solo così si è davvero totali. Questo andrebbe sempre ricordato, sia nella Vita che nella pratica dell'Arte; osserviamo se i nostri passi sono mossi dall'amore, questa è l'unica discriminante. Però va compreso bene, perché in nome dell'amore si commettono crimini orrendi. Innanzitutto non si può prescindere dall'amore per se stessi, come purtroppo ci insegnano le Religioni della contrizione, poiché, se non ci amiamo, come potremmo muoverci nell'amore? L'amore è una celebrazione dell'Unità che non si può fare a capo chino, è un'enfasi vitale che aggiunge espansione all'espansione; un essere contratto non può muoversi autenticamente nell'amore, può solo ingannarsi e ingannare.

Per essere nell'amore si deve essere come dei danzatori che gioiscono nel seguire la musica: è spontaneo, senza pensamenti, e sarebbe la cosa più facile del mondo se non avessimo le nostre idee su come dovrebbe essere e se non continuassimo a porci dei limiti. A volte proviamo a danzare con l'amore, ma il giudice nella nostra testa non sa apprezzare la musica e ci spinge in direzioni affatto sincroniche, facendoci cadere. Si deve invece diventare musicisti capaci di vibrare con il trasporto armonico dell'Esistenza, e per questo è necessario allenare l'orecchio interiore. Si deve imparare ad ascoltare noi stessi insieme a ciò che ci circonda, cogliendo il ritmo segreto dell'assonanza, trovando l'eco essenziale che amplifica il canto del Tutto.

Questo è anche quello che dovrebbe fare l'artista, ponendo in opera la risonanza dell'amore misterioso e saggio che lo attraversa. Ma la nostra Arte è ancora troppo influenzata dal “fare contro” teorizzato, ad esempio, da Picasso; non scaturisce da un rapimento nell'amore, ma da una volontà spesso rabbiosa. Il desiderio d'auto-determinazione che ha iniziato l'Arte Moderna è necessariamente passato per lo stretto passaggio dell'io, come accade nell'adolescenza, per sfuggire al mondo artificioso della tradizione; ma, a mio parere, intendeva sfociare nell'ampia valle della contemplazione, dove si sarebbe espanso a dismisura incontrando l'amore. Tuttavia in buona misura è accaduto che ci si è impantanati nell'arbitrio della volizione, e non ci si è volti né arresi all'amore. Questa è la sfida fondamentale che oggi l'artista, come ogni essere umano, si trova ad affrontare: AMA E FAI CIO' CHE VUOI.

2010-11-30T11:56:00.000-08:00

Su satvat-pensierocreativo il mio scritto su Tarshito

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Diecimila Buddha

2010-11-30T11:45:00.001-08:00

Satvat - Spirito/imperturbabilità - 2009

Sto seguendo l'ispirazione a lavorare ad un nuovo filone pittorico, che riguarda la figura del Buddha. In senso affatto religioso o canonico, ma con quella religiosità intuitiva che è connaturata all'Arte. Perché proprio il Buddha? Non sono buddhista, solo un'anima libera.

Innanzitutto bisogna considerare che il Buddha non è una divinità, assisa in un alto Cielo e lontana dall'essere umano; la natura di Buddha è ciò che essenzialmente siamo, il nostro diritto di nascita. Possiamo averlo scordato, ma in noi vi è quella stessa consapevolezza, quella libertà ineffabile e imperturbabile; è in noi, sempre presente, anche se la ricopriamo con un'infinità di pensieri, identificazioni e proiezioni, tanto da non vederla. È come la vastità del Cielo, che viene occultata dalle nuvole, spesso temporalesche, prodotte dalla mente; il Cielo, pur non visibile, è sempre lì, e ricordarlo ci aiuta a relativizzare i drammi densi di tuoni e folgori, che a volte scuotono la nostra vita, comprendendo che sono transitori. Ecco, intendo dipingere delle figurazioni della buddhità per ricordare, e per aiutare a farlo.

In Oriente la produzione iconografica del Buddha è stata per millenni un'arte esoterica, con intendimenti differenti dalle immagini sacre delle altre Religioni: non tende a sospingere l'uomo verso un modello religioso, verso una santità collocabile al di fuori che viene pregata per intercedere sulle sorti umane. Le statue e i dipinti del Buddha sono stati concepiti come degli yantra, degli strumenti per risvegliare nell'individuo il sentimento della pace e della verità che essenzialmente gli appartengono; in questo senso l'impostazione canonica è stata sempre secondaria, e lo scopo è stato piuttosto quello di fornire l'occasione per un'assonanza profondamente artistica e spirituale. Per chiarire questo, i miei Buddha dipinti saranno ancor meno canonici, piuttosto trasfigurati dall'impeto anarchico e saggio dell'intuizione, utilizzando un linguaggio artistico contemporaneo; ho sempre detestato i santini.

Saranno immagini del Buddha per le ispirazioni che esprimeranno emozionalmente, non per il disegno iconografico. Considero il dipinto qui sopra, con il classico Buddha stagliato su uno sfondo tempestoso in stile Depero, solo un punto di partenza per avventure stupefacenti. È dal 2000 che ho abbandonato la figurazione, tranne qualche incursione figurativa per mostre particolari, e l'astrazione della Mu-painting resta un approdo stabilmente fluttuante del mio sentire artistico; ma per alcuni versi il progetto di questi quadri è nella mia intenzione al di là della dicotomia tra figurativo e astratto, così come la buddhità è al di là di ogni logica dualistica. Lo Zen dice che all'inizio del percorso le montagne sono montagne e il fiume è un fiume; nel mezzo del cammino tutto si rende indefinibile, in qualche modo astratto; infine le montagne tornano ad essere montagne, e il fiume un fiume. Ma credo che la visione, a quel punto, sia pregna di una totalità che trascende le usuali possibilità di definizione dell'immagine.

Questo è quanto mi motiva, per creare dei quadri che possano ispirare, in momento tanto difficile, un brivido di nutriente compassione e celebrazione spirituale.

2010-11-25T02:32:00.001-08:00

Su satvat-pensierocreativo il mio scritto su Henri Michaux

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La verità delle cose

2010-11-23T10:25:00.001-08:00

C'è un sottile rapporto tra il dentro e il fuori, tra la soggettività e l'oggettivo. Certamente siamo noi a formare il nostro mondo, ma in un certo modo anche gli oggetti di quel mondo da noi organizzato ci influenzano. Nel senso che hanno in noi molteplici risonanze, che possono essere vitali quanto ottuse. Ha significato come poniamo le cose nel nostro spazio (come ad esempio mostra il feng shui), ma anche ogni oggetto ha o meno una propria verità. Per spiegare meglio il concetto, potrei parlare dell'artigianato etnico che si è ampiamente diffuso nelle abitazioni, con mobili, quadri e suppellettili varie.

Gli oggetti etnici danno il vantaggio di un prezzo contenuto, e possono risultare accattivanti, perché al primo sguardo appaiono originali e un po' esotici. Ma, in larga misura, non sono affatto originali e mancano d'anima. Non sono partoriti nel seno vitale di una Cultura lontana e ancora arcaica, né realizzati artigianalmente con ispirazione; sono piuttosto oggetti di serie, progettati secondo un imbastardimento dell'estetica che patteggia con il gusto occidentale e segue le tendenze del mercato. Sono solo un falso artigianato per turisti, non sono “veri”. E non parlo solo della bruttura dei quadri etnici prodotti quasi industrialmente, certo non arte ma sciocchi pannelli decorativi; questo vale anche per i mobili e le altre cose. Ovviamente ci sono anche produzioni etniche autentiche e anche pregiate, spesso antiche perché la globalizzazione ha spento l'originalità creativa dei popoli; ma è tutto un altro discorso. Sto parlando della paccottiglia pretenziosa con cui molti arredano il loro spazio vitale, che così risulta avvilente ed affatto suggestivo. L'etnico siffatto manca d'anima, di quell'autenticità che può essere conferita a un manufatto solo dall'ispirazione, da un sentimento profondo dell'artefice, che affonda le radici nella sua memoria e nella sua cultura, trasfondendo nell'oggetto la virtù di un simbolo vivente.

Non ci accorgiamo che scegliamo di spegnere le nostre case nella banalità: tutte replicanti nella stessa decorazione superficiale. Si sa che la casa è lo specchio di chi la abita, nel senso che c'è un rapporto osmotico tra la personalità dell'individuo ed il luogo che egli elegge a propria dimora; ma se questo ha un carattere non risonante e non “vero”, rimanda un'eco distorta che propaga una vibrazione ottundente. Comunque ho fatto solo un esempio, riguardante un discorso che è ben più allargato.

Mi sono sempre chiesto perché anche ristoranti eleganti, che curano i particolari con gusto, abbiano appesi alle pareti dei quadri non degni d'essere chiamati tali, spennellature senza virtù o, peggio, oleografie da mercato rionale. E parlando di quadri bisogna pur dire che ogni dipinto privo d'ispirazione, cosa che è ben al di là dell'estetica, è oggetto superfluo. Se intendiamo essere “veri”, sceglieremo con naturalezza e gusto magari poche cose autentiche, sfuggendo alla logica del consumo di massa; l'onda di ritorno di questa posizione matura è superiore alle aspettative, ed avremo il piacere di rifletterci in cose uniche che hanno un valore, più che venale, di forza evocativa e di potenzialità d'intima riflessione.

2010-11-21T03:12:00.000-08:00

Su satvat-pensierocreativo il mio scritto sull'artista messicano
Francisco Zúñiga

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Pensierini di Natale

2010-11-19T02:33:00.003-08:00

Per strada stanno montando le luci e gli addobbi di Natale; la più grande festa del consumismo è alle porte. La ricorrenza religiosa della nascita di Gesù (anche se la data è inventata) fa soprattutto pensare a infestazioni di lucette da festa paesana, a moltiplicazioni ossessive di pupazzi sciocchi di Babbo Natale che si affacciano e si arrampicano ovunque, a intolleranze familiari più o meno tollerate, a spropositi alimentari, a fiumane di forzati del regalo che intasano le vie del centro, al sacrificio di milioni di abeti mozzati alla radice e condannati per portare il simbolo della tradizione nelle nostre case. Così la festività natalizia appare come un circo roboante, in cui ci si affanna a seguire le consuetudini populiste, con il televisore acceso che dispensa rifritture di buonismo artificiale. Qualcuno si diverte, soprattutto i bambini, ma in genere meno di quanto imponga l'occasione.

Comunque, nonostante tutto, il Natale può essere una bella festa. Innanzitutto si celebra, in modo sfalsato, il Solstizio (ma quanti lo sanno?), che segna cosmicamente la supremazia della Luce sull'oscurità, occasione simbolica di rinascita spirituale. E' anche un momento per incontrarsi, per aprire le case al prossimo e condividere, ed è prezioso se si è in grado di farlo con il cuore. Ma Natale fa soprattutto rima con regalo: miriadi di pacchetti decorati e infiocchettati, che passano di mano in mano, che viaggiano dappertutto. E' una migrazione globale di soldi e oggetti, che si arresta con l'avvento della data fatidica; allora le confezioni colorate diventano rifiuti ingombranti, e ciò che contenevano viene porto ai destinatari con speranza di gradimento, a volte solo con la triste sensazione di aver adempiuto a un rito collettivo poco sentito. Ma sarebbe meglio non farlo, un regalo fatto per forza.

Fare un regalo è un modo per coccolare chi amiamo, eppure non è raro che negli scambi natalizi l'amore c'entri poco, che scatti il senso del dovere, il confronto, l'indifferenza. Questo è ciò che il potere economico ha voluto fare del Natale, conformando e pubblicizzando una consuetudine sociale che manca di cuore, in cui veniamo sensorialmente storditi ed istigati all'acquisto coatto. L'apparire è reso importante, per illuderci che la visibilità modaiola e il prezzo del regalo diano la misura dei sentimenti. Ma non è così: è l'amore la cosa importante, che fa brillare ogni pur minima cosa. Un regalo fatto con il cuore siamo noi a sceglierlo, non la pubblicità; in tal caso sceglieremo dall'anima (nostra) per l'anima (di chi lo riceve) un oggetto che abbia un valore non tanto venale, quanto d'anima: un oggetto artistico, un libro ispirato, un gioiello fatto a mano, qualcosa di bello, unico, originale, simbolico, personalizzato. Un'opera d'arte, ad esempio, sarebbe un dono straordinario, ricco di bellezza, cultura, e preziosità intrinseca che si accresce nel tempo; può costare persino meno di tanti oggetti effimeri, se non ci si volge all'arte sponsorizzata dal mercato. Ci sono molti validi artisti, rintracciabili anche sul web, che sono lieti di condividere la loro opera a fronte di un più che ragionevole compenso; in tal modo si fa un bel regalo e si aiuta l'Arte. Ma regalare arte è inconsueto, si preferiscono oggetti prosaici che dopo un po' tramontano nel cassonetto.

Oppure una buona idea sarebbe quella di creare personalmente qualcosa da regalare, in modo da trasferirvi un po' della propria energia e del proprio amore; o anche qualcosa di dedicato, fatto realizzare da un artigiano. Voglio dire che dovremmo sfuggire alla logica del consumismo, regalando magari meno ma con maggior motivazione e qualità, riprendendo la nostra capacità di essere creativi e originali, e insieme mostrando d'essere ricchi di sentimenti e di cultura.

2010-11-16T11:09:00.000-08:00

Su satvat-pensierocreativo il mio nuovo scritto sull'artista venezuelana Julliet Ramirez Hernandez.

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Dalì a Milano: meditare sul Surrealismo

2010-11-13T10:24:00.000-08:00

Il Surrealismo è una delle poche importanti scuole d'Arte e di pensiero del Novecento che continua proliferare nelle esperienze di molti artisti contemporanei. Negli ultimi anni si assiste a un'interessante evoluzione originata dalla matrice surrealista, con contenuti spesso più poeticamente meditati; in tal caso si sana la pecca dell'egocentrismo psichico, che era forse necessario sulle barricate artisticamente avanguardiste del processo di individuazione, esploso dall'inizio del secolo scorso.

Comunque, anche allora, i surrealisti non si sono contentati di un nichilismo sovvertitore, come fecero invece i dadaisti, ma hanno scompaginato le vie della percezione per ricercare un nume nascosto nella piena soggettivazione dell'esperienza esistenziale. L'onirico, il ribaltamento del senso, la contraddizione dell'ovvio, e l'esaltazione ludica, sono stati i lasciapassare per una ricerca appassionata e anti-convenzionale, che voleva stabilire rapporti nuovi tra l'uomo ed il kosmos, in alcuni casi una scorciatoia dionisiaca per l'esperienza del Sacro. Effettivamente, e questo è stato forse poco compreso, il Surrealismo tentò una sovversione esoterica, detronizzando il Dio canonico e ponendo la centralità del punto di domanda che alberga nell'uomo stesso. Questo supremo interrogativo è stato il Dio Ignoto che i surrealisti hanno pregato, frugando nei loro impulsi più segreti, automatici (cioè non mediati dalla mente, schiava delle convenzioni) e sensitivi. Lo hanno fatto con risultati entusiasmanti quanto contraddittori, ma hanno tracciato profondamente il solco in cui continuano a germinare esperienze affatto esauste o replicanti, bensì a volte maturate nel senso ed innovative. Non tanto in Italia, quanto in Spagna e nei Paesi dell'America Latina; d'altro canto è stato storicamente determinante il contributo dei grandi surrealisti spagnoli, come Joan Mirò e Salvador Dalì.

A Salvador Dalì Milano sta dedicando un'importante mostra al Palazzo Reale, dandoci l'occasione di meditare sull'opera straordinaria di questo artista ed insieme sul significato che si esprime nelle visioni immaginative, metamorfiche ed eversivamente soggettivate del Surrealismo.

Per leggere il mio nuovo post su Salvador Dalì clicca su

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SALVADOR DALI': IL SOGNO SI AVVICINA

MOSTRA A PALAZZO REALE - MILANO

22 Settembre 2010 - 30 Gennaio 2011

L'Arte è un albero

2010-11-10T13:19:00.005-08:00

Satvat - Albero della Vita Circolare

Possiamo immaginare che l'Arte sia simile ad un albero. Le sue radici affondano nel grembo terragno delle materie, traendo la pietra, il metallo, i pigmenti, ed ogni altra sostanza allo stato grezzo. Nelle mani dell'artista le materie vengono trasformate, con il calore della sua passione. Ma l'albero dell'Arte si radica soprattutto nei territori interni, psicologici e animici, dell'artista. In effetti la materia con cui egli si confronta fisicamente è un simbolo di ben più sottili materiali dell'anima, non affrontabili direttamente. Con la magia della riflessione, si manipolano sostanze che effettivamente sono simboli, i quali vengono esercitati per agganciare e muovere energie inesplicabili. L'agire dell'artista non è però reattivo alle materie, anche se può trarre occasioni dal modo in cui queste rispondono e si dispongono.

Potremmo dire che le radici dell'albero affondano non in modo casuale, ma seguendo un disegno segreto; e nello stesso tempo sono rabdomanti, empaticamente sensibili nel rintracciare zone oscure ma intimamente vitali. L'abbraccio radicale dell'albero alla terra, si approfondisce suscitando ciò che è pronto a risvegliarsi, seguendo un disegno archetipico dell'Arte e l'emozione che questo stesso provoca all'artista, al fine di poter essere realizzato. La radice ha un'intelligenza impersonale, che sa scovare e ponteggiare le energie latenti; è una lingua di fuoco che appicca l'incendio della Vita per trarlo in alto, lungo i canali della linfa, raffinando le sostanze dell'Arte e dell'esperienza soggettiva di grado in grado.

Lungo il tronco dell'albero ascende l'alchimia dell'Arte, un'energia sempre più fina che infiamma l'artista sino a che egli può sospingerla. Ma ad un certo punto gli vien tolta di mano, perché è naturalmente attratta da un magnete misterioso che incorona la sommità con il fogliame vibrante; in realtà quel fogliame era già lì, mistericamente, prima del tronco e della radice, ma necessitava dell'afflusso della linfa per rendersi visibile. Voglio dire: è per poter respirare il Cielo che l'albero è stato creato, con foglie che divengono fiori che compiono il miracolo del frutto. E volendo contemplare la cosa in somma profondità, si potrebbe dire che è il frutto che motiva il fiore che motiva il fogliame che motiva il tronco che motiva la radice. Questo è il grande segreto, certo non solo dell'Arte: è il frutto potenziale l'origine occulta di un processo che crea l'albero al fine di essere attualizzato. E allora? Addenta il frutto, sia se è immateriale nel mondo degli angeli, sia quando è maturato nel mondo degli uomini, e sii grato.

La proiezione dell'Ombra

2010-11-04T15:51:00.001-07:00

Sento di dover intervenire sull'atmosfera pestilenziale che grava sul Paese. È un'intossicazione che appare insanabile, perché non è data semplicemente da una situazione avversa, contro cui si potrebbe intervenire. Gli untori sono legioni, pare un popolo intero di sconsiderati dipendenti dalla normalizzazione dell'orrore, che visita i luoghi del massacro (portando pure i figlioletti!) e non si scompone per le clamorose contraddizioni e le nefandezze che continuano a imperversare nel teatro della Politica, mai così tanto sputtanato. Nel mondo, L'Italia è ormai una barzelletta triste, che quasi fa rimpiangere lo stereotipo spaghetti-mafia-mandolino; quell'italiano farsesco, ebbro di musica e pastasciutta e svelto di coltello, non sarebbe forse preferibile a questo grigiore in malafede, calamitato verso il peggio, indulgente con ogni tiranno, fondamentalmente ignorante e privo di aspirazioni? Almeno ci si riconosceva un brigantaggio strafottente ma vitale, che in fondo forse suscitava un po' d'invidia. Risultiamo invece spenti e corrotti, ma non siamo veramente così: abbiamo del genio, che siamo costretti a mettere in salvo all'estero, abbiamo cuori capaci d'innamorarsi, abbiamo una grande capacità creativa che viene puntualmente stritolata.

Al contempo si assiste alla celebrazione dell'infimo, che è persino al di sotto del minimo comun denominatore della mente di massa; questo ci insegnano ossessivamente i mass-media, questo viene spettacolarizzato oltre ogni decenza, con questo si viene scaltramente ipnotizzati. Di vera ipnosi si tratta, di una magia oscura che aliena la rispondenza naturale: sentiamo il fetore, ma abbiamo cominciato ad apprezzarlo. Finalmente ognuno può dare il peggio di sé, e nessuno ha il diritto di risentirsi: questo è l'inganno della finta liberazione di cacca che ci giunge da ogni dove, persino dagli alti scranni del Governo. E, bisogna dirlo, molti ci sguazzano. Insomma, parrebbe quasi confortante non pensare a verificarsi, non aspirare a maturarsi e a essere creativi, non avere alcuna considerazione per il prossimo, alcun senso civico, alcuna compassione. Ma sì, rinneghiamo pure tutti i diritti conquistati a fatica, oltraggiamo le minoranze, le donne, i bambini, e chi mostra intelligenza facendo risaltare la meschinità del senso comune... tuttavia con tali attitudini non si è affatto felici, bensì tremendamente disperati, e soli. Tutto gira intorno a te, ti illude la pubblicità, per farti regredire al peggio dell'adolescenza: egocentrismo, menefreghismo, spietata presunzione; crogiolati pure nel sognare che tutto gira intorno a te, mentre vieni schiacciato da un sistema massimamente prevaricatore!

In modo esemplare, da manuale di Psicologia, l'Ombra del singolo e dell'intera società è proiettata con edonismo negativo: non viene consapevolmente affrontata ma viene effettivamente rimossa con la sua ostentazione; viene osannata sino a che pare legittimata, inevitabile, quasi eroica. Questo abnorme equivoco ci attanaglia, guastando le nostre vite deprivandoci dell'amore e della vera creatività, che sostituiamo con la scaltrezza e la trasgressione. Soprattutto la trasgressione viene esercitata come rituale per coprire il non saper vivere. Come ho detto più volte, anche l'Arte si prodiga a rispecchiare tutto questo, tutta questa miseria.

Ma io sto parlando a ciò che è innocente e creativo, a ciò che ineffabilmente s'espande in creatività ed intuizione, a ciò che non teme, a ciò che non rinuncia ad avere fiducia, a ciò che resta ridente. E da tutto questo traggo le parole. Si riconosce il marcio per prendere le distanze ed esaltare la naturale freschezza, per compiacersi di quella forza primigenia che non può essere corrotta, e che ci insegna a essere profondamente noi stessi.

Satvat-pensiero creativo: un nuovo sito al servizio degli artisti

2010-10-31T10:50:00.000-07:00

Ho totalmente rinnovato il sito satvat-pensierocreativo.blogspot.com, e l'ho riservato agli scritti che ho composto per artisti contemporanei, affiancandoli con quelli che ho dedicato agli artisti “storici”. Nella mia intenzione, questo sito vuol essere l'occasione di presentare un panorama artistico certamente parziale ma ispirato, che affianchi senza timore degli artisti emergenti ad altri universalmente conosciuti. L'idea del “mostro sacro”, nell'Arte come in ogni altra cosa, è una perversione della mente che ci aliena dalla possibilità di riconoscere ciò che è realmente sperimentabile.

Senza, ovviamente, voler togliere nulla alla giusta considerazione dei grandi artisti, intendo dire che ciò che va principalmente celebrato è il miracolo della creazione artistica, che anche il più misconosciuto degli artisti contribuisce a conformare ed alimentare. Invece no, si tende a porre il “grande fenomeno”, il grande artista sul piedistallo, allontanandolo dall'intima confidenza che potremmo stabilire con il suo lavoro come con l'Arte stessa. Così il mondo dell'Arte diviene un Olimpo inaccessibile, adorato principalmente come oggetto d'investimento finanziario e allontanato dal senso comune. Cosa che è essenzialmente un male contemporaneo, estraneo al fermento viscerale e socialmente condiviso che ha fondato l'Arte Moderna. E la moltitudine degli artisti che continuano ad alimentare con la loro vita e la loro ricerca la fiamma imperitura dell'Arte? Sono esclusi e trascurati, non si dà loro voce né possibilità di partecipazione. C'è, è vero, una proliferazione di siti d'Arte sul web che promettono di dar loro visibilità, ma purtroppo spesso sono solo operazioni interessate, tutt'altro che appassionate.

Da molti anni scrivo presentazioni di artisti emergenti, con il piacere di condividere i tesori del loro lavoro, cogliendone le sfaccettature più profonde e significative. Questo impegno, nato per gioco ed amicizia, mi ha dato molte soddisfazioni, la prima delle quali è stata sempre il riconoscimento, da parte dell'artista su cui ho scritto, delle intime motivazioni della sua anima. Trovo naturale, dopo l'esperienza maturata nel artistainteriore.blogspot.com, proporre una carrellata dei pochi scritti che sinora ho conservato (anche in questo sono in genere poco conservatore!), aprendo il nuovo blog satvat-pensierocreativo.blogspot.com ad un futuro di nuove condivisioni e nuove esperienze.

Abbiamo bisogno di creare e di far circolare un'Arte positiva, che sappia ispirare bellezza e fermentazione creativa; a questo consacro volentieri la mia meditazione e la mia penna.

Van Gogh - la mostra al Vittoriano

2010-10-26T04:37:00.000-07:00

VINCENT VAN GOGH: CAMPAGNA SENZA TEMPO E CITTA' MODERNA
dal 8 Ottobre 2010 al 6 Febbraio 2011
Roma - Complesso del Vittoriano
Via di S. Pietro in Carcere

Davanti alle tele di Van Gogh, salgono brividi spremuti dai colori, vivaci e gravidi di succo come frutti maturi. In questo modo il pittore ha rappresentato i propri sogni visionari: plasmandone la polpa rigonfia, aprendo il suggello delle proprie viscere e scendendo in fondo alla miniera, per trarne le gemme rilucenti. Ne ha provato il brivido ancestrale, trovando il dinamismo sinusoidale dell'anima che ha abolito ogni rigore figurale; tutto risulta in moto, nell'irrefrenabile mutazione della Vita, che uomini più pavidi hanno cercato inutilmente di raffrenare. L'artista, figlio di quel tempo, non ha potuto sostenere tutto questo nella propria personalità; conservava una rigidità dolente, poco meditativa, tuttavia non si è sottratto, sino ad esserne spezzato. Ma il suo coraggio d'avventuriero ha comunque reso la preghiera urlante della sua pittura ben più preziosa e più vera di ogni salmo, di ogni recitazione canonica.

Il dramma s'avverte maggiormente nelle visioni metropolitane di Van Gogh, teatro d'aspro confronto ed emarginazione; ma anche in queste il pittore ha calato un umore intimistico, profondamente umano e infuso di compassione. Pure la città moderna non ha potuto limitare la proliferazione dell'interiore, che è ascesa glorificandosi in notti stellate e turbinanti.

Riflettendosi nella Natura campestre, Van Gogh si è scoperto più orientale, trasfondendo il proprio amore per le stampe giapponesi. La sua esplorazione silvestre ha un'afflato non piattamente naturalistico, bensì animato da un soffuso senso di satori, la rivelazione zen che l'artista aveva inconsciamente respirato insieme all'Arte dell'Estremo Oriente.

In definitiva, la mostra del Vittoriano è un'occasione per aprire il cuore, partecipando alle visioni poderose di questo grande artista, patriarca involontario della coraggiosa individuazione dell'uomo e della Pittura.

Van Gogh

2010-10-22T11:02:00.000-07:00

Prendendo lo spunto dalla mostra romana su Van Gogh, torno a parlare di questo artista straordinario, che ho citato su molti dei miei libri. In lui si sono concretizzati tutti i sogni indomiti, le ispirazioni celesti e infernali, i conflitti, le intuizioni delle forze segrete delle materie, le vertigini ispirate che appartengono ad ogni artista. Van Gogh ha vissuto tutto questo con coraggio, catarsi primordiale e sacro tremore, pagando un pesante tributo all'allora nascente individuazione dell'individuo/artista; tuttavia la sua opera, pur tragicamente carnale, ha trovato la via di un'ascesi che tuttora commuove ed insegna. Non come sogno spiritualista, bensì come intensa alchimia che ha approfondito con forza le viscere dell'uomo quanto della materia pittorica; lì il pittore ha frugato, rovistando le scorie sino a trasfigurarle nella luce. Per questo la sua pittura non si è spenta, ma cova come brace sulla tela, sensibile ad ogni alito contemplativo per rinfocolarsi e sprizzare meraviglia.

La pittura di Van Gogh ha vissuto profondamente il suo tempo, mettendo radici nella pietra lavica, con tenacia inaudita e disperazione, ma ciò che egli ne ha tratto è un singulto della visione che ha trasceso il tempo, divenendo immortale. E profondamente gioiosa, nonostante tutto, mostrando il tesoro irrinunciabile dell'arte, che nessun artista deve mai dimenticare. Allora, agli albori dell'Arte Moderna, quel fulgore materico e veritiero, gettato dal pennello, è stato ritenuto rozzo dai benpensanti che volevano principalmente anestetizzarsi nell'arte, sentendosi rassicurati dall'estetica tradizionale; ma quella forza primigenia, avulsa dai compromessi, era una pulsazione di vita che niente ha saputo soffocare. Questo apprezziamo, sensualmente godiamo, spiritualmente riconosciamo, sentendoci intensamente grati.

Quand'è troppo...

2010-10-21T07:18:00.000-07:00

Ho deciso di chiudere la mia galleria. Si può pensare sia dovuto alla crisi finanziaria, ma è soprattutto a causa della crisi d'anima e di intelligenza. Dopo che, negli ultimi tempi, mi sono trovato ripetutamente a dover spiegare la differenza tra un dipinto e un poster, e avendo constatato che nella gente è diventato quasi impossibile scovare un cuore sensibile, non resta altro da fare. Alcune chicche tratte dalla massa delle banalità arroganti e dai non-senso:
Voglio un quadro identico a questo, ma con altri colori.
Questo quadro andrebbe tagliato di almeno 50 centimetri.
Voglio un quadro che si intoni alla tappezzeria del divano.

Meglio, molto meglio la mia clientela speciale, e il pubblico più intelligente e motivato che frequenta le mostre, e le persone straordinarie che incontro nei miei seminari. Come dice l'I-Ching, quando l'oscurità avanza il saggio si ritira. A Orvieto rimarrà per ora il mio atelier, visitabile su appuntamento. Persa ogni speranza della rinascita culturale di questa bella città franata nella piena decadenza, è possibile che si migri in lidi più vitali. Intanto mi ritiro dalla volgarità per far meglio il mio lavoro, per rivolgermi meglio a chi sa ancora ascoltare, a chi non si è dato per vinto. Conosco la grande forza spirituale della creatività, e questo continuerò a condividere con le mie mostre e i miei workshop, anche tramite il web.

E pensare che è dall'87 che gestisco una mia galleria, scelta impegnativa e un pò atipica per un artista, ma utile per non sottostare ai biechi meccanismi del mercato dell'arte. Vivere con l'arte non è mai stato facile ma, come ho verificato nella mia lunga esperienza, da un paio d'anni si è proprio toccato il fondo della stupidità, del cattivo gusto e dell'incapacità di percepire. Guardo le persone e penso: Ma che vi è successo? E la risposta è chiara. Il Grande Burattinaio ha tirato bene i suoi fili, con le sue televisioni, i suoi giornali, e i grandi investimenti nella paura. Ha creato una moltitudine di zombi ignoranti e infelici, che non sanno più alzare gli occhi al cielo. Mi dispiace per loro, ma non voglio condividere questo.

Credo nella meditazione e nell'arte, credo nell'amore e nell'essere umano, e so che è possibile, benefico e liberatorio condividere tutto questo, solo questo per non lasciarsi trascinare dalla spirale involutiva.

PURA VIDA

Arte e Mito

2010-09-30T10:25:00.001-07:00

Dall'inizio del Novecento molti artisti riproposero la figurazione del Mito, soprattutto ispirata all'antica Grecia; ciò risultava assonante con il nuovo linguaggio interpretativo della Psicanalisi, che procedeva mediante la decodificazione mitologica dei sogni e delle pulsioni interiori. L'iconicità classicheggiante e mitica dell'Arte, sottolineava la drammatica storicità dell'uomo, lo sforzo eroico della sua autodeterminazione, ed anche l'introspezione psicanalitica. Ma in qualche modo si trattava di un ripiego, di una titubanza a volgersi al nuovo. Trovo più interessanti i ribaltamenti prospettici per cui, ad esempio, Chagall dipingeva miti famigliari tratti dalla sua intensa nostalgia, o i surrealisti mitizzavano i loro sogni assolutizzati e non classificabili. A mio parere, la vera svolta accadde con la rottura della figura, andandando verso l'astrazione. Il richiamo miticamente tribale fu decostruito e ricreato dal cubismo; anche l'astrattismo, ad esempio in Kandinsky, ha saputo rievocare le atmosfere del Mito, in modo affatto figurale ma straordinariamente efficace. E questo è il punto a cui intendevo arrivare con queste brevi note.

Il Mito ha cessato di essere una memoria collettiva per divenire un'esperienza individualizzata. Un mito privo di figurazioni non può certo divenire memorabile ed esemplare; richiede d'essere ricreato e vissuto, in modo sempre originale, nell'esperienza soggettiva. Non abbiamo ancora saputo cogliere le opportunità e le implicazione di tale rivoluzione, che si apre sulla libertà responsabile dell'individuo. Voglio dire che, partendo da allora, l'opera d'arte va a presentare un Mito che non è predefinito, ma che dev'essere co-creato dall'artista e dall'osservatore. I grandi artisti moderni, soprattutto con la non-figurazione, procedettero essenzialmente a creare degli schermi immaginativi fluidi, per stimolare la proiezione mitica. Vedo in questa chiave i dipinti di Rothko, di Baziotes, Congdon, Hundertwasser, Corneille, Pausette-Dart, e di moltissimi altri. Soprattutto la Pittura, ha inteso divenure il teatro libero dell'immaginazione mitica, lasciando certamente dietro di sé una serie di tentativi estremi e abortiti, come ad esempio i dipinti monocromi.
Dovremmo avere una maggiore chiarezza sul fatto che l'uomo resosi individuo, sia come artista che come estimatore dell'Arte, può essere il creatore ed il fruitore di un Mito non codificato che non è univoco ma molteplice, tuttavia perfettamente condivisibile in virtù della saggezza ispirativa e meditativa dell'Arte. Vale a dire che l'intima assonanza, la rispondenza interiore dell'opera d'arte può essere una fonte universale d'Ispirazione, di Anima, che ognuno può tradurre intuitivamente al proprio livello. In questo senso l'Arte ha intensamente partecipato alla creazione dell'individuo ed alla sua rivendicazione dell'anima.
Nel dopoguerra, era questo che bolliva in pentola, coinvolgendo profondamente gli artisti e il pubblico; ma non è stato sufficientemente compreso, perciò alla fine il fuoco è stato spento dalla più dannosa restaurazione, che ha riportato il Mito al di sopra dell'uomo ma con una brutale differenza. Infatti quella zuppa vivente e nutriente è stata soppiantata dalla zuppa inscatolata di Andy Warhol, riprodotta in serie e mistificata come icona. La pop-art ha soffocato il Mito soggettivizzato, spacciando il mito plastificato delle immagini del consumismo; il sogno collettivo e pubblicitario del progresso materialistico ha divelto il processo dell'anima nascente, imponendo le sue icone standardizzate e senz'anima. Da ciò la stessa Arte ha capitolato naufragando nel concettuale, ossia decadendo dall'Anima alla mente.

L'Arte è uno specchio dell'uomo, ed attualmente ci sta mostrando la nostra fondamentale mancanza d'Anima. L'odierna povertà d'energia e di cultura determina l'incapacità di creare il nuovo, e ci ammonisce a ritrovare il potere dell'immaginazione mitica; non con le antiche coercizioni, ma con la creatività spontanea e meditativa che fluisce dal cuore, liberando la nostra anima negata.

Arte e Anima

2010-09-12T01:43:00.001-07:00

Satvat - Trionfo di Primavera - acrilico su tela, 2010

L'anima non vede il mondo come un teatro di oggetti ed eventi finiti, ma con il senso vivente che essa evoca tramite l'immaginazione, per sperimentare la realtà misteriosa del “dentro”. James Hillman ha scritto: - Anima crea ricettacoli in ogni luogo, in qualunque luogo, per il fatto stesso di entrarvi dentro. Lo strumento con cui fa questo è la fantasia. I fenomeni prendono vita e diventano portatori di anima attraverso le nostre fantasie immaginose su di essi. Quando non abbiamo fantasie sul mondo, il mondo è oggettivo, morto -.

Vi è però una fantasia impotente, che è incapace di sentire e quindi di dare un cuore pulsante alle cose, che è semplice divertimento e distrazione, è c'è la nobile fantasia che è investita del potere dell'immaginazione. Questa non si inventa, bensì si trova. Bisogna saper ascultare, trovare il battito segreto e porsi con questo in risonanza, la brace del proprio cuore deve giungere in contatto con la brace sepolta in ciò che si sta contemplando. Allora può catalizzarsi la vivida fiamma che brucia le nostre zavorre per portarci a volare: la fiamma della visione, dell'Amore, dell'Arte.

Tale immaginazione non è mai nuova né stravagante, ma è spontaneamente radicata nel linguaggio del mito, del simbolo e della parabola; per questo risulta straordinariamente nuova, sempre fragrante, poiché rinasce in ogni volta del cuore, profondamente poetica ed intimamente riconosciuta.

Questo è il linguaggio dell'Arte, che ci offre i suoi quadri viventi di Anima, affinché possano ispirarci. Le autentiche opere d'arte sono specchi levigati con dedizione dall'artista, che si è lasciato ispirare per aver occhi più puri, accorti nel sanare le opacità causate dal proprio ego. Se su queste opere ci si affaccia, riflettono non le turbolenze della persona, la maschera, ma le risonanze profondamente immaginative dell'essenza, provocando sinergie di comunione.

Per esserne capace l'artista usa il culmine del proprio talento, che è l'innocenza. Questa è l'Arte oggi negata, quella più vera ed attuale che continua a manifestarsi in ogni cuore rapito e sincero.

Qualche novità

2010-09-10T10:52:00.000-07:00

Con l'inizio di settembre si ha sempre l'impressione di iniziare un nuovo ciclo, anche chi, come me, ha lavorato tutta l'estate. E' un momento di riepilogo, di nuovi pensamenti e progetti. Nella mia vita e nel mio lavoro nell'arte ci sono novità e grandi trasformazioni, alcune delle quali ancora al livello sotterraneo, ma le sento nell'aria del mio cielo interiore come quando si annusa un temporale che deve ancora giungere, oppure nel buio si assapora la fragranza dell'alba che si sprigionerà da li a poco.

Qualche novità:

Il mio nuovo libro sulla scrittura creativa è in corso di pubblicazione con Xenia edizioni. Non sarà in libreria prima di Marzo 2011, bisogna aspettare un pò ma sono contento perché con Xenia ho già pubblicato il libro L'Artista Interiore, che mi ha dato molte soddisfazioni, soprattutto nel senso che lo ho condiviso con molti lettori entusiasti. Diversi amici mi avevano chiesto notizie sulla pubblicazione del libro sulla scrittura: ci vuole un pò di pazienza ma, ve lo assicuro, ne vale la pena.

Sto ultimando un nuovo libro, intitolato La Caccia all'Anima - riprendiamoci l'anima rubata. E' stato un fulmine a ciel sereno anche per me, ma quando il Creativo chiama la cosa sprizza da dentro come in un fico maturo. Ne sono commosso e sto rispondendo con totalità e dedizione.

In programma una serie di mostre, a Roma e altrove. Stiamo anche preparando il nulvo calendario dei corsi. Insomma ci si dà da fare.

Vorrei concludere con una cosa che mi ha scritto una pittrice spagnola surrealista:

Arte que se sumerge en el inconsciente e igual que Klee y Miro crea su propio código simbólico místico que rompe el tiempo con sus lineas de danza derviche y lleva al espectador a danzar en la lectura de la obra. Igual que ellos, es de considerarlo un verdadero surrealista, ya que no se apoya en la imagen y toma el contenido místico como tema de todo su trabajo.